movida salsera

BIOGRAFIA DE RICHIE RAY Y BOBBY CRUZ

2012-01-12T09:03:00.000-08:00

En el año 1974, tras ganar una competencia que reunía a las mejores orquestas de Puerto Rico, los que originalmente fueron conocidos como “Los Durísimos”, pasaron a convertirse en los indiscutibles “Reyes de la Salsa”.

La historia comenzó en Nueva York cuando, (luego de vivir su niñez en Puerto Rico), Bobby decide ir a residir a la ciudad de los rascacielos, mientras que Richie (de padres puertorriqueños) nace y se cría en Brooklyn, Nueva York. Fue en el 1963 que Richie y Bobby unen sus talentos sin saber que con su sonido revolucionarían el género, formando el binómio más importante en la historia de la música tropical.
Conscientes de la gran competencia que existía, Ricardo Maldonado y Robert Cruz, se enfrentan a un reto muy difícil. Tito Puente, Tito Rodriguez, El Gran Combo, Joe Cuba, Ray Barreto y otros grupos controlaban el ambiente musical latino.

Frente a este reto se unen la creatividad de compositor de Bobby y la preparación musical de “concertista” de Richie surgiendo primero el “Latin Boogalu” y luego “El Sonido Bestial”, modelo y prototipo de lo que después se conoció mundialmente como la “Salsa Brava”.

Luego de casi dos años de arduo trabajo lanzan su primera producción “Ricardo Ray Arrives” que marcó el nacimiento de su primer éxito musical: “Comejen”. Las primeras críticas fueron desalentadoras, debido a que su sonido se salía de lo común y de lo aceptable para su época. No obstante, la fuerza de Comejen les abrió paso al camino de la fama.

Entre sus principales éxitos se encuentran: Agúzate, Señora, Mi Bandera, La Zafra, Amparo Arrebato, Richie’s Jala-Jala, A Mi Manera, Pancho Cristal, Guaguancó Triste, EL Mulato, y el tema que le dió acentuación a la Salsa, “El Sonido Bestial ”. El Sonido Bestial separó a Ricardo y a Bobby de los demás, consagrando a Richie como el pianista más completo de la música tropical.

El Senado de Puerto Rico ha elogiado y honrado en dos ocasiones la carrera de Richie Ray y Bobby Cruz tras aprobar resoluciones reconociendo la trayectoria de estas leyendas “boricuas”.
Son miembros originales de las Estrellas Fania, ganadores del “Congo de Oro” en Colombia, y el “Momo de Oro” en Venezuela, regulares en el “Día Nacional de la Salsa” en Puerto Rico, y miembros de “El Congreso Internacional de la Salsa”.

Su música quedó bautizada en Venezuela, donde por primera vez un locutor muy conocido define la música de Los Durísimos como: “Salsa”. La salsa quedó definida como la mezcla de diferentes influencias musicales tales como Mambo, Guaguancó, Son Montuno, Jazz, Rock & Roll, Pop y música Clásica en la misma pieza musical, sobre una base de ritmo Afro-Cubano.
Ricardo y Bobby continúan viajando, haciendo presentaciones en vivo con su orquesta, llevando su nueva producción musical “Que Vuelva la Musica”, la cual se caracteriza por un Sonido Bestial y el estilo que los ha caractizado por más de 40 años.

Este pasado mes de noviembre de 2006 luego de 43 años de trayectoria artística, 103 producciones musicales, millones de discos vendidos, y 15 discos de Oro y Platino, la Academia Latina de los Premios Grammy les otorgó a los Durísimos el Premio a la Excelencia por su Trayectoria Artística.
Por éstas y muchas razones más, Richie Ray y Bobby Cruz, siguen siendo y serán los indiscutibles “Reyes de la Salsa”.

Grandes exitos de Richie ray y Bobby Cruz
Descarga: PARTE 1 Y PARTE2

Temas que encontraras...

- A Mi Manera
- Agúzate que te están velando
- Algo Diferente
- Bomba Camara
- Cabo e
- Cipriano
- Doce cascabeles
- El mulato
- Fariseos
- Gan gan y gan gon
- Guaguanco Jazz
- Jala Jala
- Lo atara lo arache
- Pancho cristal
- Seis chorreao
- Si te Contara
- Sonido bestial!
- Soy tan Feliz
- Tin Marin
- Vanidad de Vanidades
- Yo Se Que Te Amo

BIOGRAFIA DE LOS ADOLESCENTES

2011-11-29T09:21:00.000-08:00

Adolescent's Orquesta" es una agrupación conformada por jóvenes venezolanos, nace en Diciembre de 1995, bajo la dirección de Porfi Baloa genio creador y arreglista de la mayoría de los temas de la orquesta.

En el año de 1995 la orquesta los adolescentes saca al mercado su primer disco “RECLAMANDO NuESTRO ESPACIO” el cual contiene temas como “Anhelo”, “Hoy Aprendí”, “No puedo ser tu amigo”, entre otros y el cual se convierte en un suceso musical a pocas semanas de su lanzamiento logrando llevar al primer lugar del Record Report el tema promocional “Anhelo” el cual durante varias semanas fue el tema mas difundido en las emisoras radiales del país.

Posteriormente a finales de 1996 y con nuevos integrantes sale a la venta “PERSONA IDEAL” la segunda producción en donde se encuentran contenidos exitosos temas de la orquesta como “Arrepentida”, “Clase social”, “Celos y Distancia”, “Horas Lindas”, y mas, vale la pena destacar que esta producción marca un record en la historia discográfica de nuestro país ya que todos los temas contenidos en ella alcanzaron el primer lugar en la carteleras musicales nacionales.

En 1998 Los Adolescentes incursionan en el mundo de actuación y de la mano con el lanzamiento de la tercera producción” LA MISMA PLUMA” realizan la exitosa serie Jugando a Ganar la cual fue transmitida con gran éxito no solo en Venezuela sino en varios países de América Latina como Perú, Chile, Colombia entre otros.

La orquesta ha combinado durante muchos años la creación y el lanzamiento de discos con la realización de giras promociónales por todo el mundo visitando países como Chile, Colombia; Perú, Costa Rica, México, Ecuador, Argentina, Holanda, Bélgica, Alemania, Suiza, Italia, Estados Unidos, Japón, y muchos otros donde han tenido la oportunidad de participar en festivales como el de Milán o Turín y hasta en eventos religiosos como el Jubileo 2000, en donde tuvieron la oportunidad de cantar y compartir con el Papa Juan Pablo II"

En la actualidad se puede decir que cuatro continentes han disfrutado del sabor desbordado por esta orquesta la cual ha roto esquemas y de manera especial la barrera del idioma, logrando que hombres, mujeres, jóvenes y adultos coreen y bailen cada una de las melodías que interpreta esta agrupación que sin duda alguna se ha convertido en fiel embajadora de la música tropical y del talento venezolano.

Por esto y mas esta afamada orquesta orgullo de la tierra venezolana ha sido merecedora de innumerables premios entre los que destacan Premio “Mara de Oro”, Meridiano de Oro" ,“ Estrella de Oro “otorgado en Nueva York como la orquesta Revelación del Año durante los años 1996 y 1997, así mismo destacan los premios A.C.E entregado por la Asociación de Cronistas del Espectáculo de Nueva York, premio Lo Nuestro (Nominación) y uno de los mas recientes el premio “Globo de Oro” en la categoría tropical salsa.

Luego de casi 7 años de fundación regresan los Adolescentes a los primeros lugares, con los temas de su cuarta producción “AHORA MAS QUE NUNCA” la cual trajo variedad en ritmos y letras entre los que destacan la salsa de siempre, una bachata, un son montuno y para sorpresa de todos un merengue bomba que hizo vibrar a los venezolanos y extranjeros y que llevo como siempre a la cima de la popularidad a los Embajadores de la Salsa en Venezuela

En la actualidad Adolescentes Orquesta prepara su quinta producción la cual trae entre muchas cosas un renovado tren delantero integrado por Everson Hernández, Armando Davalillo, Ángel Delgado, Óscar Arriaga y Porfi Baloa además de los ocho y no menos importantes músicos de la orquesta Alex Gil, Julio Antillano, Edwards Pimentel, Eliécer Dabuy, Jesús “Godo” Puente, Johan “Condi” Muñoz, David González Jr. y César “Albóndiga “ Monge” quienes fusionaron todo su talento y nos traerán temas como “Ponte Pilas”, “Se Acabo el Amor”, “Paco Policía” ,“Búscame” , “Si Supieras”, y “Cuerpo Sin Alma” entre otros

Descarga album: Lo mejor de ADOLESCENTES

Canciones:
01. Se Acabó El Amor
02. Virgen
03. Me Negó
04. Persona Ideal
05. Aquel Lugar
06. Anhelos
07. Recuerdos
08. Arrepentida
09. Huellas
10. Corazón Corazón
11. Búscame
12. Si Supieras

TRIO MATAMOROS - SIMBOLO DEL SON CUBANO

2011-11-13T11:03:00.000-08:00

Miguel Matamoros nace en Santiago de Cuba el 8 de mayo de 1894 en el popular barrio Los Hoyos, en la calle San Germán # 115 entre Gallo y Matadero.
Desde niño tocaba la armónica y la guitarra; a la par de los múltiples oficios que desempeñó durante su primera juventud como chofer, carpintero, monaguillo de la Iglesia del Cristo, fabricante de losas, alfarero, entre otros, de manera autodidacta se adentró afanoso en el aprendizaje de la guitarra.
A la edad de 15 años, y manteniendo su afición por este instrumento musical empezó a tocar en el tono La Mayor que le enseñó Ramón Navarro, compañero de trabajo en el aserrío. Una vez más, lo que sabía lo aprendió en la calle con los amigos dando serenatas y amenizando fiestas populares en los barrios de su pueblo natal.
No obstante, el primer instrumento musical que lo señaló como intérprete en las actividades en que participaba, así como recaudando la propina para ayudar a su familia, fue la armónica o filarmónica como muchos la conocen y luego la corneta china, esta última tan conocida en los carnavales de Oriente, que tocó a petición de Rita Montaner (cantante) (Guanabacoa, La Habana 1900 – La Habana 1958) en una de sus actuaciones años más tarde en el Cabaret Montmatre, cuando estaba dedicado por completo a la vida artística.
En 1910, con 16 años de edad, compuso su primera pieza musical: un bolero que tituló El Consejo. A partir de entonces realizaría muchas otras obras hasta llegar a alrededor de 198 donde se incluirían boleros, sones, pasodobles, habaneras y polkas, entre otros. Se dice que el único género en el que no incursionó fue en la rumba, en su modalidad de guaguancó.
Cantando y rasgando la guitarra se fue adentrando cada vez más en el mundo artístico, penetrando al mundo de la trova. Aprendió de los grandes maestros de la trova tradicional cubana entre ellos José «Pepe» Sánchez (Santiago de Cuba 1856 – 1918), Sindo Garay (Santiago de Cuba 1867 – La Habana 1968), Alberto Villalón (Santiago de Cuba 1882 – La Habana 1955), entre otros.
En 1912 hizo su primera presentación pública en el teatro Heredia de Santiago de Cuba. Se unió, en 1925, a Siro Rodríguez y Rafael Cueto, dando origen al renombrado Trío Matamoros. Se dirigió, al frente de su trío, dos años mas tarde a New York, donde obtuvo éxito grabando discos. La situación socioeconómica y política que existía en la Cuba del gobierno de Alfredo Zayas, hizo que Miguel Matamoros se trasladara a la capital en 1922, en busca de mejoras económicas. Aquí participó en tertulias, serenatas, presentaciones en teatros, etc. Su paso por La Habana marcó el inicio de su desarrollo artístico. En 1923 se grabó una de sus obras mas conocidas: «Mamá son de la loma», son que fuera grabado por tres sellos discográficos en tres tipos de formatos diferentes: «Mamá son de la loma» por el sello Columbia (Co –2041-X) con el Dúo Pablito y Luna, grabado el 9 de Julio de 1923; Al son de la loma por el sello Victor (Vi – 73883) con matriz G-2950 con el Cuarteto Cruz, grabado el 3 de Septiembre de 1923; Al son de la loma por el sello Brunswick (40073) con el Trío Villalón, grabado el 26 de Septiembre de 1923.
Hay que aclarar que aunque la obra aparezca con diferentes títulos se trata de la misma pieza musical, solo que antes se le titulaba según el verso de la primera estrofa de la canción o del estribillo de la misma.
El Son en los primeros años de la década del 20 no tenía gran aceptación, era considerado «música de barracón», «marginal», «cosas de negro», no podía ser tocado, ni escuchado en sociedad.
Entre los años 1925 – 1930, el Son cobró mayor auge, época que muchos consideraron la época dorada del Son Cubano, gracias al desarrollo de la industria discográfica y de la radio, lo que sirvió para difundir universalmente esta música.
De regreso a Santiago de Cuba, Matamoros incorpora el 8 de mayo de 1925 en el Trío Oriental a Siro Rodríguez (1899) como segunda voz, génesis de lo que después sería el famoso TRÍO MATAMOROS.
Como guitarrista y voz prima, Miguel Matamoros tenía gran seguridad en el punteo, buen gusto y singular sentido del ritmo y el fraseo. Grabó para la casa discográfica RCA Víctor, y sus sones más populares fueron Mamá, Son de la loma (“son de la loma y cantan el llano” donde “la loma” aludí a Santiago de Cuba y “el llano”, a la Habana); El que siembre su maíz, y el bolero-son Lágrimas negras.
El modo de hacer guitarristico del Trío Matamoros se caracteriza por un rayado sumamente expresivo y el tumbao que realizaba Cueto en el acompañamiento, consiguiendo de este modo una polirritmia. A esto habría que agregar los pasacalles que creaba Miguel de un estilo particularisimo y de un exuberante sabor criollo.
Con sus compañeros recorrió toda América y muchos países de Europa. Autor de Boleros y sones: Lagrimas negras, Juramento, Reclamo místico, Mariposita de primavera, Mientes, Triste muy triste, Olvido, Mama son de la loma, El que siembra su maíz,. Que te están mirando, Alegre conga...
También compuso canciones y boleros (Reclamo místico, Juramento, Mariposita de Primavera, Mientes, Triste, muy triste, Ovidio ), Congas y guarachas. Compositor de ideas frescas, ritmo elocuente y buen gusto profundamente cubanos, hizo que su música fuera una de las más genuinamente populares, síntesis de cubanía.

Anécdota

“El paralítico yo lo compuse allá en La Habana en 1930. Lo hice porque en ese tiempo no se hablaba en Cuba de otra cosa que de un médico español llamado Fernando Azuero, que curaba la parálisis. El procedimiento que él usaba era inyectar un nervio que tenemos aquí en la nariz, que se llama trigémino, extirpándolo; y decían que con ese tratamiento se curaba la persona que estaba paralítica. Pero resulta que yo conocía a un billetero de la plaza del Vapor, llamado Raúl Núñez, que era paralítico y que se trató con el Doctor Azuero, y nada, a los tres meses seguía inválido igual. Luego me enteré de tres casos mas: dos hombres y una mujer que se habían tratado con Azuero y no se habían curado. Pensé entonces que eso de la cura era un truco, y compuse el son: El Paralítico”
EL PARALÍTICO

VEINTE AÑOS EN MI TÉRMINO
ME ENCONTRABA PARALÍTICO
Y ME DIJO UN HOMBRE MÍSTICO
QUE ME EXTIRPARA EL TRIGÉMINO.

Luego en el estribillo digo:

SUELTA LA MULETA Y EL BASTÓN
Y PODRÁS BAILAR EL SON.
Anécdota
En el año 1930 Matamoros viajó a Santo Domingo. Allí se hospedaba en la casa de Huéspedes de Luz Sardaña. Un día en que oyó los quejidos de una mujer desde unos de los cuartos de la casa preguntó a Luz por qué lloraba aquella mujer de forma desconsolada. Ella le respondió que su compañero la había abandonado por otra. Allí mismo Miguel inspiró este bolero-son.

LAGRIMAS NEGRAS

AUNQUE TU,
ME HAS DEJADO EN EL ABANDONO
AUNQUE TU,
HAN MUERTO TODAS MIS ILUSIONES
EN VEZ DE MALDECIRTE CON JUSTO ENCONO
EN MIS SUEÑOS TE COLMO
EN MIS SUEÑOS TE COLMO DE BENDICIONES
SUFRO LA INMENSA PENA DE TU EXTRAVÍO
SIENTO EL DOLOR PROFUNDO DE TU PARTIDA
Y LLORO
SIN QUE SEPAS QUE EL LLANTO MÍO
TIENE LAGRIMAS NEGRAS
TIENE LAGRIMAS NEGRAS COMO MI VIDA

Lágrimas Negras es la obra que marca el afianzamiento de esa tercera variante de la trova cubana, la cual se caracteriza por expresar el constante elemento temático procedente del tango bonaerense, que posteriormente a la Primera Guerra Mundial se extendió con amplitud por Europa y nuestra América en cierta competencia con el Jazz y sus sucedáneos y la música cubana.
Durante 35 años de actuaciones y trabajo creador, el Trío Matamoros mantuvo su estilo musical con la misma frescura y alegría del primer día, así como su vigor interpretativo con el toque de cubanía que llegaba de manera sensible a todas las esferas de la sociedad.
Su melodía conmovió al pueblo sencillo del cual salieron estos tres trovadores, logrando el reconocimiento, el respeto y la admiración que universalmente se ganaron.
No sólo interpretaron sus obras; también incluyeron en su repertorio las de otros compositores y que fueron éxitos como El desastre del morro Castle de Leopoldo González, «Frutas del Caney» del compositor Félix Benjamín Caignet «Salomón» (San Luis 1892 – La Habana 1976), «Oriente, cuna florida» de Emiliano Brizuela Ponciano, «Cuidadito, Compay Gallo» del compositor, cantador y guitarrista Benito Antonio Fernández Ortiz, más conocido por Ñico Saquito (Santiago de Cuba 1902 – La Habana 1982), entre otros.
Igualmente, poco no son los intérpretes que acogieron la obra de Miguel Matamoros en el ámbito internacional: José Feliciano, Pedro Vargas, Sarita Montiel, grabaron algunas de sus canciones logrando grandes éxitos internacionales.
En Cuba, todo el pueblo reconoce su obra, la invocan para amenizar tertulias o fiestas populares, o simplemente para recordar al Trío Matamoros.
Pasó a retiro en 1960 y residió por un tiempo en Regla, junto a su única hija hembra Seve Matamoros y su esposa Juana María Casas, "La Mariposa" de la cual se divorció y se fue a residir a Santiago de Cuba con un viejo amor de juventud, Mercedes, "la santiaguera de mi amor", casado con ella hasta su muerte.
Miguel Matamoros a pesar de nunca abandonar la tierra que lo vio nacer, nunca simpatizó con el gobierno castrista, nunca hizo una manifestación publica de apoyo al gobierno cubano... murió en su ciudad natal el 15 de Abril de 1971. Su sepelio constituyó una gran manifestación popular que acompañó hasta el cementerio de Santa Ifigenia los restos de este inolvidable trovador santiaguero que nos dejó su obra como herencia de tradiciones.

Descarga: EXITOS DE TRIO MATAMOROS

Canciones:
1 Lagrimas Negras - 2 Carnavales de Oriente - 3 Sueño Infeliz - 4 El Fiel Enamorado
5 Cuidadito Compay Gallo - 6 Frutas del Caney - 7 Son de la loma - 8 El paralítico
9 Amor fingido - 10 El que siembra su maíz - 11 Promesa - 12 La mujer de Antonio
13 Elixir de la vida - 14 Las maracas de Cuba - 15 Por qué pasaron rápido
16 Santiaguera - 17 Regálame el ticket - 18 Hojas para baño - 19 Veneración
20 El desastre del Morro Castle - 21 Alma de roca - 22 Amor y dudas - 23 Buche y pluma no más

BIOGRAFIA DE ALBITA RODRIGUEZ

2011-10-23T16:31:00.000-07:00

Albita Rodríguez comenzó su carrera profesional a los quince años en su nativa Cuba. desde sus inicios se propuso revitalizar y dar nuevos aires a las formas tradicionales de la música rural y el son en sus más variadas vertientes. Bajo este concepto nació su obra autoral, sus propios arreglos y su peculiar modo de interpretarlos.

Su primer álbum "Habrá música guajira" de 1988 contiene diez temas de su autoría y en todos se evidencia el trabajo de rescate y fusión qué marcaría su obra futura. De este álbum es el sencillo "Parranda, Laúd y Son" qué rompió récord de permanencia en las listas de éxito de varios países latinoamericanos y fue grabado por numerosas intérpretes. En 1991, con una carrera más sólida viaja a Colombia a cumplir un contrato discográfico por cinco años. De esa época son las producciones "Si se da la siembra" y "Cantaré". Es estos álbumes continúa trabajando en el rescate del repertorio tradicional cubano junto a sus propias composiciones.

En abril de 1993, estando en un momento importante en su carrera ALBITA y su banda emigran hacia los Estados Unidos instalándose en Miami. A sus presentaciones en un local de la Pequeña Habana, comenzaron a asistir representantes de la media y el mundo artístico local, dando paso posteriormente a personalidades cómo Quincy Jones, Madonna, Paco de Lucia, Richard Avedon, Angélica Huston, Oprah Winfrey, Rosie O'Donell, Liza Minelli y el desaparecido Gianni Versace entre otros.

Entre aquéllos fans estuvieron Emilio y Gloria Estefan, cuyo sello Crescent Moon distribuido por Epic lanzó en 1995 el disco debut para los Estados Unidos de ALBITA "No se parece a nada". El álbum rebasó las 100,000 copias vendidas y la artista junto a su excelente banda se presentó en auditorios repletos en Estados Unidos, España, Panamá, México, Colombia, Venezuela y Puerto Rico. Entre los puntos más altos se encuentran sus actuación en el North Sea Jazz Festival en Holanda, un concierto en España en la falda de los Pirineos y apariciones en festivales junto a Gilberto Gil y Oscar D' León.

La prensa elogió "No se parece a nada" y los encendidos espectáculos en vivo de la cantante. "Su música - publicó Los Ángeles Times - es un paquete completo de habilidades vocales, belleza poética y extraordinaria ejecución de un grupo de jóvenes músicos cubanos. The New York Times destacó que "las canciones de punto guajiro en 'No se parece a nada' fusionan naturalmente el rock, el jazz y los elementos folklóricos más tradicionales en una hirviente salsa con ritmo de conga qué impacta explosivamente." Paper describió a la cantante cómo "parte Beny Moré, parte Marlene Dietrich", y subrayó que "desde su primera canción, ALBITA llena el auditorio con el poder de su rica y natural voz." Por este disco fue nominada para el premio "Lo Nuestro" de la música latina.

En septiembre de 1966, ALBITA lanzó su segundo álbum para Epic/Crescent Moon "Dicen qué..." producido por ALBITA y Emilio Estefan Jr. "Dicen qué..." muestra principalmente sus composiciones en una variedad de estilos de la música cubana. La mayor parte del álbum fue grabado en vivo en un estudio sin secuenciadores ni alta tecnología, y muchas de las canciones registradas en una sola toma. Uno de los temas de esta producción "El chico chévere" alcanzó rápidamente el primer lugar de popularidad en Perú.

Su música ha estado el la banda sonora de películas cómo "Mascaró", coproducción española-cubana-venezolana, "Café con Leche", documental realizado en Miami, "The Specialist" y "Dance with me" ambas realizadas en Hollywood.

Descargar album: ALBITA - MIS TACONES (2009)

Tracklist:

1. Mis tacones
2. Todo lo que quieras
3. Soy una mujer
4. El caballero y la doncella
5. Tengo hambre
6. F C S
7. Beso malo
8. Como hay gente en la calle
9. Que me den
10. Tumba catao y pon quinque
11. Popurri Cubano

BIOGRAFIA HECTOR " EL TORITO" ACOSTA

2011-10-10T18:43:00.000-07:00

Héctor Acosta nació el 23 de Mayo, en la ciudad de Bonao de la provincia Monseñor Nouel, hijo del Sr. Elpidio Acosta y Sra. Seferina Restituyo.
El coro de la iglesia San Antonio de Padua se constituyó en el crisol que definiría su vocación por el canto pues ahí, entre la armonía de las voces de los cánticos litúrgicos, los olores a incienso y los rituales religiosos, pudo vislumbrar el camino a seguir, el que con el tiempo le llevaría a convertirse en el mejor cantante de merengue de la República Dominicana, según han afirmado otros cantantes y entendidos del medio.
En el año1982 la emisora Radio Novel realizó un festival de la voz que se considera el primer reto que asumió el cantante en ciernes, para poner a prueba su capacidad como intérprete.
El joven artista asumió con tanta determinación su decisión de participar en el festival, que se iba a escondidas de su padre para tomar parte en los ensayos que se hacían para el evento, en el cual terminó ganando el primer lugar.
A partir de haber ganado ese certamen, el camino estaba allanado para continuar su indetenible marcha hacia la superación.

Es así como surge la agrupación "La Renovación Quisqueyana", integrada por músicos y acompañantes del coro, con características similares a Los Paymasi, de la cual Héctor forma parte, y en la que durante dos años logró la experiencia de actuar en los casinos y restaurantes que frecuentaban como parte de su itinerario.
Desde allí pasó a Los Gentiles, la agrupación más depurada de la ciudad de Bonao, dirigida por Andrino Galicia, y a la cual Héctor le concede los mayores créditos por lo mucho que contribuyó la misma a su formación.
Los Gentiles fueron para él, la "gran escuela", una agrupación de la cual confiesa que aprendió cosas que ha podido luego implementar en su carrera artística, Además de cantante, Héctor fue bajista de la agrupación.

Aunque todos conocen su magistral voz, poco saben que Héctor es un músico innato y que, además de tocar el bajo a la perfección, también toca otros Instrumentos musicales. Todo gracias a un oído muy sensible, pues nunca estudio formalmente ninguno de los instrumentos.
Con Los Gentiles estuvo laborando durante dos años realizando presentaciones fuera de Bonao, incluyendo su primera actuación en televisión.
En el 1989 durante una presentación de Los Hermanos Rosario en Bonao, conoce Al Señor Gerardo Díaz (El Toro) y a petición de los presentes Héctor realiza una improvisada actuación que deja tan impresionado al toro, que de inmediato le propuso formar la orquesta Los Toros Band. Pero antes de concretizar esta agrupación, estuvo durante dos meses adquiriendo experiencia en la orquesta de Los Rosario y un período igual con Henry Hierro.

A principio del 1990 graba la primera producción de Los Toros Band titulada "Se Soltaron los Toros", que durante todo un año se estuvo difundiendo en la radio, generando una gran expectativa pues el intérprete de tan resonantes éxitos solo era conocido por sus temas musicales.
Hasta que el 4 de mayo de 1991 se produce el debut oficial de Héctor Acosta con Los Toros Band, iniciándose a partir de ese momento una exitosa trayectoria que le ha llevado a los más altos niveles de popularidad y proyección.
A este disco precedieron otros en la misma vertiente, hasta llegar a puntos culminantes con realizaciones como "A Pasito Lento", "No Hay Problemas", "Toromanía, "Serenata", "Pa' La Calle', "Indetenibles".

Pero entre todos, merece una consideración especial, la labor de rescate del merengue vernáculo y de salón que se inició con la producción "Raíces", la cual le permitió a Héctor satisfacer los gustos musicales más exigentes y ortodoxos, representado por los sectores más tradicionales de la sociedad.
Los clubes sociales acogieron así a Héctor Acosta como un exponente genuino del merengue clásico de todos los tiempos.
"Raíces' ha sido, sin dudas, una de las producciones más acogida y exaltada por la sociedad dominicana, ya que la misma tuvo la virtud de exponer a las nuevas generaciones, las expresiones más auténticas de nuestro merengue, recreando a la vez, viejas vivencias a aquellos que disfrutaron de los mismos, en otros tiempos.
Pero así como este artista ha tenido la virtud de llegar a los más altos extractos sociales, del mismo modo ha podido lograr una identificación con el pueblo, pocas veces alcanzada por cantante alguno de merengue.
Siendo un magnífico intérprete de merengue ha podido hacer un exitoso "crossover' hacia la bachata, logrando que el público lo asuma, no como una moda, sino como un auténtico intérprete de ese género.
El tema "Perdóname la Vida" se convirtió en el estandarte y en la insignia del artista en el género de la bachata.
Héctor Acosta ha sido uno de los intérpretes de merengue más premiado y galardonado en su trayectoria, tanto en el país como en el extranjero.
En la premiación Casandra ha obtenido Revelación del Año, sus discos han ganado el premio como Producción del Año, Álbum del Año, Concierto del Año, Merengue del Año, Más Destacado en el Extranjero.
En el ámbito internacional ha recibido el premio ACE de Nueva York, Premio Lo Nuestro, en Miami; Premio Estrella, de Nueva York; Premio Globo, de Nueva York; Congo de Oro, de Colombia; Continente de Plata, de Boston; nominado al Grammy Latino 2002.
Las principales salas de espectáculos y los grandes escenarios han acogido los conciertos y espectáculos de Héctor Acosta.
Raíces, en el Teatro de Bellas Artes en el 1998
Raíces en el Gran Teatro Cibao en el 1998
Los Toros Pa' Chavón, Altos de Chavón en 1999
El Merengue se Viste de Gala, Teatro Nacional 2000
El Merengue se Viste de Gala, Gran Teatro Cibao 2000
Los Cantantes, Salón la Fiesta del Hotel Jaragua 2001

Con El Merengue se Viste de Gala se convirtió en la primera agrupación de merengue a la que se le otorga la sala Eduardo Brito en el Teatro Nacional, en la cual actuó junto a La Filarmónica de Santo Domingo.
Con Los Toros Pa ' Chavón, de igual manera demostró su capacidad de llenar un local reservado solo para los grandes.
Una de las actuaciones memorables de Héctor fue la que se produjo el 9 de abril del 2005 en el teatro United Palace de la ciudad de Nueva York, donde le tocó compartir el escenario con el astro mexicano Cristhian Castro.

La prensa internacional reseñó el hecho de que el dominicano había concitado los mayores y más fervorosos aplausos, rompiendo con ello todas las creencias y conjeturas que se habían hecho, dada la dimensión de la figura con quien compartía el fervor del público.
Toda esta trayectoria de éxitos y de grandes realizaciones de Héctor Acosta con Los Toros Band llega a un momento culminante que produce la necesidad de emprender nuevos senderos.
A principios del 2006 y como consecuencia de un inevitable proceso impulsado por la necesidad de seguir creciendo, Héctor Acosta decide separarse de Los Toros Band, la agrupación con la cual subió a la fama y a la cual le dio 15 años de total entrega.
Tras una negociación con los hermanos Gerardo y Juan Pablo Díaz, sus mentores artísticos en la empresa de los Toros Records, establece su propia organización empresarial.
Es así como el 8 de marzo del mismo año presenta en una concurrida rueda de prensa a Héctor Acosta & Orquesta, generando una amplia corriente de aceptación y de opinión pública.
Esa iniciativa se ha visto favorecida por el respaldo del público que le ha dado una amplia acogida a todos los temas musicales que ha lanzado desde entonces, como es el caso de "Lo Que Tiene Ella", "Primavera Azul" y "Como Me Curo", los cuales se encuentran contenidos en la producción "Sigo Siendo Yo", la primera que lanza al mercado tras su lanzamiento con su propio proyecto.

Hoy en día la orquesta de Héctor Acosta es una de las más reclamadas en fiestas privadas, eventos especiales, bodas, celebraciones, bailes populares, lo que le lleva a tener una agenda totalmente comprometida con un año de antelación, lo cual pone de manifiesto el amplio nivel de aceptación que posee.
Las giras de Héctor Acosta se han multiplicado de tal manera que se ha visto obligado a frecuentes presentaciones en Nueva York, Boston, Miami, Orlando.
Todos los conciertos de importancia de merengue y de bachata que se han realizado en Nueva York en los últimos tiempos, han tenido como figura reclamada y obligada a Héctor Acosta, entre los cuales hay que destacar la Noche de Merengue en el Shea Stadium, donde fue una de las agrupaciones más aplaudidas.
Lo mismo ocurrió durante el espectáculo Area 809 en el teatro United Palace en septiembre del 2006.
En el mes de julio del 2006 el periódico Clave Digital realizó una encuesta para seleccionar el Mejor Merenguero Dominicano, recayendo la mayoría de los votos en Héctor Acosta, con una puntuación de 259 votos y con una gran ventaja sobre los demás artistas que obtuvieron alta votación por parte del público.
En los premios Casandra 2007 fue ganador en tres nominaciones "Orquesta del año 2006, Merengue del año 2006, con el tema "como me curo" y albun musical del año 2006, con la producción "Sigo siendo yo".
Esa selección coincide con las opiniones emitidas por acreditados y afamados merengueros, quienes también han ponderado la capacidad de Héctor como intérprete, como es el caso de Joseíto Mateo, Johnny Ventura, Rafael Solano y Juan Luís Guerra.

descarga: The ultimate bachata collection 2010

Tracklist
01 Perdoname La Vida
02 Primavera Azul
03 Me Voy
04 Sin Perdon
05 Con Que Ojos
06 Me Duele El Alma
07 Me Vio Llorar
08 Tu Primavera Vez
09 Quiza Si, Quiza No
10 Si Estuiviera Aqui
11 Como Te Olvido
12 No Puedo Quitarte Las Espina
13 Quisiera Que El Mundo Acabase
14 Me Puedo Matar

BIOGRAFIA DE ANDY MONTAÑEZ

2011-10-03T12:01:00.000-07:00

Los inicios de Andy se remontan a 1962 con la entonces recien creada agrupación musical El Gran Combo de Puerto Rico. Sin embargo, esos años que precedieron tan valiosa experiencia reconocen a un junior, el primogénito de 17 hijos de doña Celina Rodríguez y Don Andrés Montañez como cantante bolerista en el grupo de Luis Morales y como Segunda voz del Trío Los Duendes. Es ese el Junior que bajo la batuta del legendario Rafael Ithier forma junto a Pellín Rodríguez uno de los duos más recordados en la historia de esa agrupación.
Fueron 15 años marcados de exitos. El Niño de Trastalleres grabó 37 lp’s con el Gran Combo de Puerto Rico. Allí creó y selló el equipaje que lo acompañaría siempre. “El Barbero Loco”, “Julia”, “Guaguanco del Gran Combo”, ‘Un Verano en Nueva York”, “Vagabundo”, “Milonga Sentimental”, “Las Hojas Blancas”, “La Soledad”. El hoy clásico ‘A mí manera”, tema que grabó con Paquito Guzmán y originalmente con Pellín Rodríguez.
Fue en 1977 que Andy decide suerte esta vez sin el respaldo de la agrupación que lo proyectó a nivel internacional. Enfrentó así la prueba más riesgosa de su carrera artística: fuera de su paìs y sin el Gran Combo, al aceptar la irresistible oferta que le hiciera la popular orquesta venezolana “La Dimensión Latina” de sustituir a Oscar D’León.
Con “la Dimensión Latina” grabó ocho elepés que colocó a la agrupación venezolana en los primeros lugares de popularidad y ventas. El primer tarbajo dicográfico con la Dimensión Latina marcó los exito “El Eco Del Tambor”,”Mujer Impura”, “Ritmos Cubanos”.Luego continuaron los triunfos con los temas “Las Perlas de tu Boca”, “Como Canto Yo “, “Nuestra Tierra”, “Vuelve”, “Rumberos de Ayer”, “Son del Bohío”, “Ave Marìa Lola”, “Mì Son Oriental”,”Cantante Errante”, y otros. Para 1980, Andy Montañez grabó con la agrupación “Puerto Rico All Stars” tres elepés que fueron la antesala a su regreso a Puerto Rico. “Reunión en la Cima”, “Isla Bonita”, “Homenaje al Mesías” dedicado a Eddie Palmieri , delinearon ese proceso de crecimiento en el que el salsero aún se mantiene.
Una vez en Puerto Rico , Andy forma su propia orquesta. Para 1981 graba su primer LP como solista titulado “ Salsa co Caché” con el sello disquero LAD una subsidiaria de TH Rodven. Allí nacen los exitos “El Juicio de los Animales”, “Las Calabazas”, “Milonga para una Niña”, “Una emisora en el Cielo”. Luego vino la producción titulada “Versátil”con los exitos “Qui,Qui,Qui”, “Villarán Cuenca”, “A Pesar de Todo”, “Bebiendo Ron sin Bañarse”.
Su tercer LP “Simplemente Andy Montañez” sonó con los exitos “Dulce Veneno”, “Payaso”. En esta producción Andy hijo, marca su debut con el tema “Genio y Figura” del compositor Tite Curet Alonso. Cabe destacar que ese album se mantuvo 30 semanas en la revista Bilboard en sus pàginas de música tropical con cinco temas. Con este disco se establece su orquesta. En su cuarto LP “Me lo estas poniendo difícil” donde surgen los hits “Cobarde,cobarde”, “Te voy a enseñar”, “Cuando yo te Ví” debuta su hijo Harold con “El Benjamín”, también de la autoria de Curet Alonso. Para 1988 graba su quinto album titulado “El Eterno Enamorado” con los exitos “Aquella Noche”, “Te voy a Sacir de Mí’, “Vivir sin Tí”, “Casi te envidio”. Sigue su producciòn dicográfica con el sello Rodven y graba para 1990 “Todo Nuevo” con los exitos “Fantasma”, “Cena Inconclusa”. Para 1991 surge “El Catedrático de la Salsa” en allusion a su participación en la Universidad de la Salsa como le dicen a la prestigiosa agrupación El Gran Combo de Puerto Rico.
Para verano de 1992 integra a su orquesta a su hija Ednaliz Montañez para así establecer junto a sus hermanos “La Dinastía Montañez” donde el talento musical se mantiene como patrimonio familiar. En la Exposición Universal de Sevilla ’92 el Salsero recibió la máxima ovación otorgada a un artista por parte del pueblo sevillano. “Previamente el único artista en recibir tal honor lo fué el tenor italiano “Luciano Pavarotti”, según lee la reseña de la prensa española. Con el album “El Swing de siempre” (1992 donde se destacan los temas “Chemen Chemen”, “El Santo”, el reconocido cantante termina su contrato con el sello disquero TH Rodven. Para esos años El Salsero recesó la producción discográfica por 3 años.
Esto le permitió aceptar invitaciónes de sus antiguos compañeros para presentarse nuevamente juntos. Esta vez debutó con El Gran Combo de Puerto Rico en Japón , (1993) . También compartieron tarima en la ciudad de Los Angeles y en la República de Colombia (1994). Fué el invitado de honor junto a la “Dinastìa Montañez” y “La Dimensiòn latina” en los carnavales de Venezuela (1995).
Para 1996 grabó a dúo junto al salsero Ismael Mirandael género musical romántico por excelencia : Bolero. “Al son del Bolero”, “Romanticos de Nuevo” (1997) y “Con Alma de Niño” para 1998. En esas fechas Andy fue invitado a participar en la película venezolana “Cien Años de perdón”como interprete de dos de los temas que acompañan la trama. El Innegable afecto que tiene con el pueblo venezolano y la recomendaciòn del destacado actor puertorriqueño Daniel Lugo hicieron possible esta experiencia. Aunque ya sus pasos por la actuación en el medio cinematográfico se remonta a la década del 80 en la película “Boda” del cineasta venezolano Taelman Urgelles. Participó junto a otras estrellas de la salsa y algunos peloteros de las grandes ligas en el proyecto discográfico “Roberto Clemente Un tributo Musical” con el tema “Roberto y Tirabala” de Pablo Rosario.
Para 1998 creó finalmente su primera producciòn independiente como salsero. Guiado por su sentir, su probada experiencia y su espontaneidad artística surge el trabajo discográfico “Soy Como Soy”. Recoge en sus temas a este verdadero artista de pueblo. Esta producciòn es un homenaje que Andy le hace a su gente a quien responde con compromiso de orgullo patrio a donde quiera que él vaya. El Niño de Trastalleres junto al reconocido arreglista y director de orquesta Louis García escogió los temas que interpretó.
Hoy, Andy Montañez es un símbolo más de puertorriqueñidad. Ha recibido innumerables homenajes tanto en la Isla como en distintas ciudades de Norteamérica donde reciden más de dos millones de puertorriqueños. En Puerto Rico ha formado parte de dos obras teatrales: “Lo Mejor está por venir dirigida por Pablo Cabreras, y el musical “El Bombón de Helena” montada por el prestigioso grupo “Teatro del Sesenta”. En el 2000 realizó uno de sus sueños: cantar bajo la batuta del maestro Lito Peña acompañado por la Banda Estatal de Puerto Rico en Castellón ,España. A pesar de 4 años sin grabar, Andy vive uno de los momentos más gloriosos de su carrera. El reconocimiento popular lo coloca como una de las figuras mas queridas de su país.
Para el 2002 Andy Montañez ve materializado el apoyo de su gente al llenar por tres días consecutivos La Sala de Festivales del Centro de Bellas Artes. Precindiendo de los impactantes recursos tecnológicos del espectáculo que hace gala en estos tiempos, el Niño de Trastalleres vistió su entorno de la sencillez que no lo abandona y cautivó a tres generaciones con un inolvidable recorrido musical en el que El Bolero,la Música de Tríos ,La Salsa y La Plena armonizaron ese ambiente patriótico. Esta experiencia en vivo sera el insumo del próximo proyecto discográfico del Salsero Montañez.

Descarga COLECCION DE ORO de Andy Montañez (3 cd's)
Contraseña: El Perro Mickey (copiar y pegar asi)

CD1
01. Mujer impura
02. Cantares
03. Una emisora en el cielo
04. Mañana no
05. Compasión
06. Negra mala
07. Hay que bregar
08. El fuego quemo
09. Milonga para una niña
10. Tenemos el mismo mar

CD2
01. Palabras de mujer
02. Tema para un sonerito
03. Pasando el canal
04. Cuando la luna se baja
05. Estela Mayombe
06. Motivo en seis (Villaran)
07. Te querré por los dos
08. Confidencias de amor
09. Meditación
10. Se acabo el evento

CD3
01. Me dijeron
02. Cuando un amigo se va
03. El juicio de los animales
04. La calabaza
05. Ella
06. Boca mentirosa
07. Violeta
08. No lloro mas
09. El que canta
10. Mayeya, no juegues con los santos

BIOGRAFIA DE JOE ARROYO

2011-09-19T17:26:00.000-07:00

Álvaro José Arroyo González, (Noviembre 1, 1955). Intérprete y compositor Colombiano, nacido en Cartagena de Indias considerado como uno de los más grandes de la música caribeña en todo el mundo.

Arroyo comenzó su carrera a muy temprana edad, cuando a los ocho años cantó en un local bailable de su ciudad natal, Cartagena. Cantó en una agrupación de la costa llamada "Los Caporales del Magdalena". En 1971 tiene su gran oportunidad cuando firma para Discos Fuentes, y es reclutado por Julio Ernesto Estrada, el bajista, cantante, compositor y productor de Fruko y sus Tesos. Con esta orquesta alcanzó gran fama.

Luego, grabó con el grupo The Latin Brothers y en 1981 fundó su propia orquesta, a la que llamó La Verdad. Dos años después, es dado por muerto tras sufrir una enfermedad que le mantuvo alejado de los escenarios, aunque siguió grabando discos. Algunos de estos son ahora clásicos de la música caribeña, con grandísimas canciones salseras y en diversos ritmos del Caribe colombiano, que le han supuesto multitud de premios y ser considerado como el Rey del Carnaval de Barranquilla.

Con "La Verdad" se dedica a mezclar diversas influencias musicales, fundamentalmente la salsa con la música caribeña colombiana (cumbia y porro) y con diversos ritmos del Caribe (soca, reggae, compas) hasta crear su propio ritmo, el "Joesón", que le caracteriza y le hace único. Entre sus recientes éxitos destaca "La Fundillo Loco".

Quizás su mayor éxito haya sido "Rebelión" (1986), una canción que narra una historia sobre un matrimonio africano, esclavos de un español, en la Cartagena de Indias del siglo XVII. El solo de piano, ejecutado por Chelito De Castro, y los soneos de Arroyo, junto con un ritmo avasallador, hicieron de "Rebelión" un éxito inmediato que aún se baila en las fiestas y discotecas del continente. En México sucede el mismo fenómeno desde que se publicó por primera vez el tema en el LP "Tequendama de Oro Volumen 7" de Discos Peerless en el año de 1987 y su LP "Joe Arroyo y su Orquesta La Verdad, Grandes éxitos", aún a la fecha el tema es muy popular en el movimiento sonidero .

Algunas de la cancíones más exitosas de Joe Arroyo son: "El Caminante", "Tania" (dedicada a su pequeña hija q.e.p.d.) y "El Ausente", todas tres grabadas con Fruko. Sin embargo, con "La Verdad", sus éxitos no han sido menos impresionantes.

El álbum "Fuego En Mi Mente" (1989) contiene un excepcional solo de piano de De Castro (nuevamente) en el tema "En Barranquilla me quedo", y un buen número de canciones con influencias de la música africana y de la salsa contemporánea. Con "La Guerra de los Callados" (1991), realizó su primera gira española. En 1993, editó "Fuego" y volvió a tocar en España.

Joe Arroyo ha grabado con las casas disqueras Discos Fuentes y Sony Music. Luego de una temporada de varios años en Sony Music, regresa a Discos Fuentes - radicada en Medellín - en 2003, donde ha grabado sus más recientes trabajos: Arroyo Peligroso, Se Armó la Moña y el Super Joe, que salió a la venta el 14 de septiembre de 2007 en Colombia. Joe Arroyo ha sido uno de los cinco colombianos que han aparecido en la portada de la revista Rolling Stone

El canal RCN, esta grabando una telenovela a nombre de este gran artista se espera su estreno en el 2011

Estado de Salud

Actualmente se encuentra delicado de salud debido a la diabetes que padece desde hace algunos años.

La salud del cantante Cartagenero volvió a estar afectada en la noche del lunes 26 de abril de 2010, cuando debió ser internado por un grupo de familiares en la Clínica del Caribe, donde permanecía hasta la tarde del miércoles bajo una estricta atención médica, aunque en la tarde del miércoles ya mostraba mejoría y fue sacado de cuidados intensivos.

Cuadro Médico

Según personal médico del centro asistencial, el famoso cantante ingresó en grave estado al centro asistencial, lo que le impedía respirar y comunicarse verbalmente con claridad.

Cuando fue recibido por los médicos lo intubaron de urgencia y fue trasladado a la unidad de cuidados intensivos, en donde debieron brindarle respiración mecánica.

En ese momento había gran preocupación entre los allegados al intérprete de 55 años, pero poco a poco comenzó a mejorar.

Después de los exámenes de rigor y de unas horas en que permaneció bajo observación de los especialistas, le fueron retirados los tubos que lo ayudaban a respirar y comenzó a mostrar una leve mejoría. En la tarde de ayer su estado comenzó a evolucionar de manera satisfactoria.

Salud Frágil

Joe Arroyo ha sufrido múltiples quebrantos de salud que le han impedido realizar las largas giras de conciertos que años atrás lo llevaban a recorrer gran parte del mundo.

Su historia médica registra una isquemia, problemas renales, motrices y dificultad para cantar. Incluso en algunos conciertos debió ser ayudado a subir a la tarima debido a estados de debilidad y desorientación.

A pesar de eso, el intérprete de los clásico temas de música salsa La Rebelión, Echao pa’ lante y Tania, grabó con la cantante Naty Botero una canción a dúo en noviembre pasado, cuyo video se rodó en el Castillo de Salgar, en el municipio de Puerto Colombia.

Así mismo, Arroyo hizo varias presentaciones en eventos del pasado Carnaval de Barranquilla.[2

Discografía con Fruko y sus Tesos

* Fruko el bueno (1972)
* La fruta bomba (1973)
* Fruko el bueno - ayunando (1973)
* El violento (1973), de donde se desprende "Nadando"
* El caminante (1974), donde se encuentran su mítica "Tania" y "El caminante"¨
* El grande (1975), con los éxitos "Manyoma" y "Confundido"
* El bárbaro (1976), con "El negro chombo"
* El patillero (1977), que incluye "Los patulekos"
* El cocinero mayor (1978), de donde se desprenden el tema que da el nombre al álbum y "Palenque"
* El teso (1979), con el éxito "Catalina del mar"
* El espectacular (1980)

Discografía con The Latin Brothers

* Te Encontre (1976)
* Bailame como Quieras (1977)
* Suavecito, Apretaito (1978)
* En su Salsa (1979)

Discografía con La Verdad

1981 Arroyando, con su éxito "La rumbera"
1981 Con gusto y gana, con su éxito "Bolobonchi"
1982 El Campeón, con la canción del mismo nombre dedicada a Kid Pambelé y rocky Valdés, y su famosa "Amerindio"
1983 Joe Arroyo y La Verdad actuando, con su éxito "Amanecemos sí"
1984 Hasta amanecé, con su éxito "El palo", y un mosaico de sus canciones más famosas con Fruko
1985 Me le fugué a la candela, con su exitazo "Tumbatecho"
1986 Musa original, con varios éxitos, entre estos "Rebelión" y "Musa original"
1987 Echao Pa'lante, con la canción del mismo nombre como éxito, y su famosa "Yamulemao"
1988 Fuego en mi mente, con sus éxitos "A mi Dios todo le debo" y "La Noche"
1989 En acción, con su éxito "El centurión de la noche"
1990 15 grandes exitos
1990 echao pa’ lante
1991 20 aniversario
1991 la voz de Joe Arroyo
1991 La guerra de los callados, con su éxito "Te quiero más"
1992 Toque de clase, grabación con la cual comienza su etapa en Sony Music, con su famosa y polémica "Inocente"
1991 El Super Congo
1993 Fuego, con sus canciones "Llanto ven, llanto va" y "Tumanyé"
1994 antologia musical
1994 Sus razones tendrá, con su "Homenaje a Irene Martínez"
1995 Mi Libertad, con su pegadísima "Tal para cual"
1995 brillantes
1995 super exitos del joe vol 1 y 2
1997 Reinando en vida, y su éxito "Tres corazones"
1997 Deja que te cante, con los éxitos "Ella y tú" y "Mosaico de la Chula"
1997 album de oro
1997 30 pegaditas con el joe
1997 aquí estoy
1997 25 aniversario
1998 Cruzando el Milenio, con su "Pañuelo y guayuco"
1998 aquí estoy
1998 Rey del carnaval
1999 En sol mayor, y su éxito, el remake "Sabré olvidar"
1999 el baile del siglo disco doble
1999 20th aniversary sello Sony BMG
2000 Joe Arroyo, el Rey del Congo de Oro, sus mejores temas tropicales
2001 Marcando terreno, con el que cierra su etapa en Sony; con su "Palito del Carnaval" y su "Mosaico Folklórico" con el salsero Víctor Manuel
2001 los reyes del tropico
2001 el milenario de la salsa album doble de 2 cds
2001 super fiesta vol.1
2001 Rebelion
2002 Los Magnificos de la Salsa
2002 la verdad de joe arroyo - el original
2002 32 cañonazos del joe arroyo
2003 lo salsero del joe - edicion francesa
2004 Arroyo peligroso, con el que vuelve a la disquera que lo vio nacer, Discos Fuentes, y que fue un adelanto para lo que sería "Se armó la moña en carnaval". Éxito, "La fundillo loco"
2004 el joe live
2005 Se armo la moña en carnaval, donde sacó a relucir su vena creativa con "Reggaesson son son" a dúo con el grupo reguetonero "Tres pesos"
2005 la verdadera historia del joe
2006 gold
2007 El súper Joe, donde demuestra que todavía hay Joe para rato, además de ser nominado al Grammy Latino en la categoría "Mejor álbum tropical contemporáneo". Su éxito "Fue tu mirada"
2007 20 originales
2008 10 de coleccion

Descarga el album FUEGO EN MI MENTE (1988)

EL REY DEL MAMBO

2011-08-17T19:02:00.000-07:00

Dámaso Pérez Prado es mayormente conocido por sus aportes al género del mambo, que tiene sus orígenes en el danzón cubano y daría pauta al surgimiento y desarrollo del chachachá, así como también de la música conocida a finales de los años setenta y principio de los ochenta como salsa. No fue el creador del ritmo, que ya se tocaba en La Habana de finales de los años treinta, pero sí su mayor difusor a nivel internacional. Estudió música en su Cuba natal. Trabajó en diversas orquestas en La Habana en los años 1940. Fue también durante un corto periodo pianista de la Sonora Matancera y de la Orquesta Casino de la Playa. En 1948 cambió de residencia a la Ciudad de México para crear allí un grupo musical. Allí estuvo trabajando con la compañía RCA Victor. Se especializó en el mambo, del cual es considerado uno de sus mayores exponentes.

Hábil pianista, y conocedor a fondo del teclado, ha sido considerado por expertos críticos como uno de los mejores en este género de la música popular. Su interpretación de la célebre pieza El manisero, de Moisés Simons, es única en su clase, con acompañamiento de ritmo y bongó. Como compositor,conoció muy bien el manejo de la partitura. De allí nacieron excelentes piezas como Mambo en Sax, La Chula Linda, Silbando Mambo y Mambo de París entre otros.

Pasado el clímax del mambo, es llamativo que Dámaso Pérez Prado, una vez compuesta su pieza musical "Patricia" y obtenido su éxito correspondiente, la grabase muchas veces y con diferentes arreglos, actitud que parece demostrar que tuvo por dicha pieza una especial predilección.

Entre sus composiciones más conocidas se encuentran Qué rico el mambo y Mambo Nº 5, ésta última después lanzada en una nueva versión en 1999 por el cantante alemán Lou Bega.

Pérez Prado fue reconocido también por ser el autor del Mambo del Politécnico (usado comúnmente en eventos y celebraciones importantes del Instituto Politécnico Nacional de la Ciudad de México) y el Mambo Universitario (usado comúnmente en eventos y celebraciones importantes de la Universidad Nacional Autónoma de México).

Durante la década de 1950 estuvo ausente de México. Una leyenda urbana apunta a que una desavenencia con el gobierno mexicano porque éste le prohibió interpretar el Himno Nacional Mexicano a ritmo de mambo, aunque también se barajan desavenencias políticas.Adquirió la nacionalidad mexicana en 1980 y residió los últimos años de su vida en su país de adopción. Falleció a la edad de 72 años en la Ciudad de México el 14 de septiembre de 1989 a causa de un paro cardíaco.

descarga temas del rey del mambo

BUENA VISTA SOCIAL CLUB

2011-07-14T11:13:00.000-07:00

El Buena Vista Social Club fue un club social de La Habana, Cuba, donde sus miembros practicaban actividades relacionadas con el baile y la música, volviéndose un sitio muy popular donde se encontraban y jugaban quienes de él formaban parte.

En los años 1990, casi 50 años después de que el club fue cerrado, inspiró una grabación hecha por el músico cubano Juan de Marcos González y el guitarrista norteamericano Ry Cooder con los tradicionales músicos cubanos, muchos de ellos antiguos miembros del club en el que se presentaron cuando su popularidad estaba en el tope. La grabación, nombrada Buena Vista Social Club, por esa institución de La Habana, se volvió éxito internacional y el grupo se vio alentado a presentarse con su formación completa en Amsterdam en 1998. El director de cine alemán Wim Wenders grabó la presentación, seguida de un segundo concierto en el Carnegie Hall, de Nueva York, concierto este que fue la cumbre del documental que resultó del trabajo de Wenders. El documental también incluye entrevistas con los músicos llevadas a cabo en La Habana. La película de Wenders, también nombrada Buena Vista Social Club, fue bien aclamada por los críticos, recibiendo una nominación al Óscar de Mejor Documental Largo y numeroso galardones entre los que se incluye Mejor Documental en el European Film Awards.

Tanto el éxito del álbum cuanto el de la película encendieron un interés internacional por la música cubana tradicional y la música latinoamericana en general. Algunos de los músicos cubanos lanzaron después álbumes en solitario que fueron bien acogidos y grabaron otros en colaboración con diversas estrellas de la música internacional de distintos géneros. El nombre "Buena Vista Social Club" se volvió un término abarcativo de este tipo de presentaciones y lanzamientos en colaboración, además de relacionarse a una etiqueta que encapsula la "Edad de Oro de la música Cubana", entre los 1930 y los 1950. El nuevo éxito fue efímero para la mayoría de los reconocidamente miembros del grupo: Compay Segundo, Rubén González e Ibrahim Ferrer, quienes se murieron por la orden a los 95, 84 y 78 años; Segundo y González en 2003 y Ferrer en 2005.

Descarga album Buena Vista Social Club

BIOGRAFIA DE BENY MORE

2011-06-23T13:29:00.000-07:00

Beny Moré es el más grande cantante de música popular que Cuba haya producido. Para tener una idea de cómo es percibido en Cuba hay que pensar en Frank Sinatra o Nat "King" Cole. El genio de Moré reside en su síntesis de dos de los más importantes aspectos de la canción cubana: el son afrocubano y la música guajiro. La intimidad de Moré tanto con elementos africanos como europeos le permitieron estar cómodo en todos los estilos.

Aunque no podía leer música, Moré compuso dos de sus éxitos: "Bonito y sabroso" y "Que bueno baila usted". También dobló como lider de banda y reunió una poderosa big band con músicos talentosos como los trompetistas Alejandro ""El Negro" Vivar y Alfredo "Chocolate" Armenteros, y el trombonista y arreglador Generoso "El Tojo" Jiménez. El suyo fue un sonido típico de los años cincuenta: orgulloso, de múltiples texturas y dinámico. Pero a diferencia de las bandas neoyorquinas como Machito y sus afrocubanos, Moré estaba empujando los límites del jazz latino. Su música era más "pop" que la de Machito, era de todo menos atada a patrones fijos.

Bartolomé Maximiliano Moré nació en 1919 en el pueblo de Santa Isabel de Las Lajas en la Provincia de Las Villas, Cuba. Cuando era adolescente viajó a La Habana y trabajó varios años en una variedad de empleos mientras actuaba como cantante callejero en la zona portuaria de la ciudad. Su gran oportunidad fue en 1945, cuando acompañó al conjunto de Miguel Matamoros a México. Después la gira, Matamoros volvió a Cuba, pero Moré decidió quedarse. Antes de irse, Matamoros le aconsejó a Moré que cambiará su nombre ya que "Bartola" significaba burro en el argot mexicano. Rebautizado Beny Moré, fue descubierto por Mario Rivera Conde, el director de RCA/Victor México, que lo unió a una serie de orquestas de alto calibre, inclusive la de Pérez Prado y la del compositor mexicano Raphael De Paz.

Moré canta con cinco diferentes orquestas en estas sesiones, sin demasiadas diferencias entre una y otra. La orquesta de Pérez Prado es una excepción a esta regla -por el agresivo estilo pianistico de Prado-, y que produciría algunas de las grabaciones de mayor energía en la carrera de Moré.

Moré volvió a Cuba en 1953 y reunió su propia big band, con la que estuvo hasta su muerte. Moré fue intensamente leal a sus músicos, refiriéndose a ellos como su tribu. Porque siempre insistió en tener una gran banda, fue conocido por haber vaciado sus bolsillos de lo ganado con las grabaciones de la RCA para pagar a sus hombres. Ellos respondían adornando sus canciones con sutiles arreglos orquestales. Mientras Moré seguía grabando sus éxitso movidos como "Francisco Guayabal" y "Que bueno baila usted", se orientó a los boleros, una vitrina natural para sus dotes vocales e interpretativas. Moré tenía uan tecnica vocal característica, una especie de glissando, que usaba en todos lados de variadas formas.

Moré decidió permanecer en Cuba después de la revolución, pero no vivió mucho, victima de su amor por el ron. A pesar de todos los rumores, Beny Moré finalmente sucumbió a un cirrosis el 19 de febrero de 1963 en La Habana. El material grabado por Moré es relativamente pequeño, como si hubiera muerto prematuramente. En 1992, BMG Music lanzó la mayoría de las grabaciones de Moré entre 1948 y 1958 para RCA/Victor en cinco CD para su serie tropical.

descarga el album EXITOS DE BENY MORE

BIOGRAFIA MONCHY & ALEXANDRA

2011-05-28T08:25:00.000-07:00

Procedentes de República Dominicana, Monchy y Alessandra forman el dueto de bachata caribeña combinado con un toque de romanticismo. Con su química en el escenario y su gran poder interpretativo, estos dos jóvenes incursionaron en la música conocida como Bachata. Haciendo historia sobre este dinámico Dúo, conoceremos que, Ramón E. Rijo (Monchy) nació el 19 de Septiembre de 1977. Desde muy temprana edad sintió pasión por la música. Estudió piano, guitarra y canto. Desde entonces se perfilaba como un ganador. Mas tarde formó parte de un Trío en su país y por los talentos desarrollados hasta aquel momento, fue llamado para participar en la producción de la serie Bachatazos, en la que desarrolló su madurez vocal y artística.
La parte femenina del Dúo, Alessandra Cabrera (Alessandra) nació el 19 de Octubre de 1978 en Santo Domingo, capital de la República Dominicana. Desde pequeña reveló sus cualidades musicales al interpretar canciones en reuniones familiares en las que impresionaba con su dulce voz. Aun sin estudiar canto, se le considera una de las mejores intérpretes que tiene el género en estos momentos. Su preparación académica abarca la Universidad, estudios que se vieron interrumpidos en 1998 cuando el reconocido productor musical Mártires De León, junto al productor ejecutivo Víctor Reyes, la seleccionaron entre decenas de cantantes que se presentaron buscando la oportunidad de ser la voz femenina del tema Hoja en Blanco, a dúo con Monchy. Hoy por hoy, con mas de 500,000 copias vendidas en todo el mundo de sus éxitos discográficos: Hoja en Blanco, Unplugged, Confesiones y The Mix. A lo largo de su corta carrera Monchy y Alessandra han sido reconocidos por importantes entidades con prestigiosos galardones como lo son: Premios Cassandra, Premios Billborad A La Música Latina, Premios Lo Nuestro y una nominación al Grammy Latino. Luego de una metamorfosis en la agrupación la historia sigue.
Monchy y Alessandra regresan con su nueva producción titulada "Hasta el fin", el primer sencillo de este álbum lleva por titulo " Perdidos" el cual esta siendo escuchado con gran éxito en las principales estaciones de radio a nivel nacional e internacional. En este nuevo proyecto el Dúo conserva su línea de Bachata-romántica pero con influencias de otros ritmos tales como: rock, música antillana y ritmos autóctonos de su Republica Dominicana, y hasta con elementos árabes. Nos encontramos ante un Dúo revitalizado y que continuara dando que hablar y seguirá haciendo historia, ya que como ellos mismos lo citan: Nuestro objetivo es seguir ofreciendo música positiva para esta generación y las venideras al mismo tiempo de expandir la bachata a lugares donde no se conoce todavía... y sabemos que esto y mas les espera en su nueva trayectoria.

Descarga el CD: GRANDES EXITOS DE M&A

BIOGRAFIA OSCAR D'LEON

2011-04-21T09:44:00.000-07:00

Era exactamente el 11 de Julio cuando la familia León Simosa recibió en su seno a Oscar Emilio. Su madre, una bella mulata dedicada al hogar, amante de la música, el baile y el canto. Su padre, un gallardo venezolano, albañil de profesión.

Una familia de clase media que se quedó con él como hijo único y muy consentido en la medida de sus escuetas posibilidades. Sin embargo, fue criado con férrea disciplina por su madre, quien le dió el toque matriarcal al hogar. Ah! Sí señor.

Desde niño, la inquietud fue su rasgo distintivo. Creció entre el béisbol, el deporte nacional en Venezuela y por supuesto, la música… pues todo, todo le sonó siempre. Si todo ser humano tiene cinco sentidos, en su caso, cada uno gira en torno a la música.

Jamás la ha estudiado, nunca pasó por una escuela musical pero el don le afloró de manera innata. Su oído era capaz de captar una secuencia y repetirla con lo que tuviera a mano. "Siempre me envolví con la música con lo que estuviese haciendo, cualquier menester lo acompañaba con la música. Cualquier momento de esos de aburrimiento que suele tener la gente, pues yo lo combatía con el canto, o buscando un sonido en algún cajón, alguna mesa, cualquier cosa que tuviera acústica, ahí estaba buscando la forma de sacar música", recuerda.

Se crió entre los sones del Trío Matamoros, La Orquesta Aragón, la Sonora Matancera, Benny Moré, Celia Cruz Mario Hernández, Cortijo, Ismael Riveray Billos Caracas Boys.

Convirtió el lápiz de la escuela en su instrumento de percusión. Sin embargo, la fama le llegó tarde comparado con muchos otros artistas. Y antes del gran salto debió pasar muchos oficios a cierto desgano, aunque a cada uno le puso el toque de picardía de humor, de buena vibra que le caracteriza.

Estudió topografía, pero nunca ejerció. A cambio, trabajó en una ensambladora de carros, luego, compró un bus escolar y posteriormente un taxi. ¡El taxi de la rumba! Sus dotes de cantante ya entonces se hicieron sentir. Se convirtió en un taxista muy popular… Sus clientes se hicieron habituales y hacían fila para montarse en el carro de la parranda, una rocola musical, pues por el mismo precio de otros, tenían transporte y fiesta a bordo con sus canciones.

Fue lo más cercano al camino que le tocaba pues en cualquier otro oficio, la medida no ajustaba, simplemente no era lo suyo. Tenía 28 años cuando entra en vereda. Entonces forma la Dimensión Latina y en el año 1972 revienta el gran éxito "Llorarás". Desde ese momento no se detiene. Y los melómanos lo bautizan como El Bajo Danzante. Con esa agrupación dura hasta 1976. Ese año forma su propia organización musical y empieza a grabar éxitos como Mata Siguaraya, Siéntate Ahí, entre otros.

Por aquellos años la demanda de grupos era tal, que en lugar de tener una orquesta tiene dos: La Salsa Mayor y La Crítica. Con esta última graba la canción ‘A El’, dedicada a su padre.

En la década de los ‘80 comenzó su internacionalización. Desde que nació artísticamente lo hizo con un posicionamiento único que le otorgó una gran ventaja sobre otros artistas: él canta, baila, y toca a la vez, ¡un verdadero showman! Un fenómeno que tuvo gran aceptación y que llamó mucho la atención en Europa y empezó rápidamente a conquistar ese mercado.

Captó la atención de la BBC de Londres que lo escogió para un especial grabado y difundido por la televisora. Un batazo que lo posicionó en el Viejo Continente. En Amsterdam grabó un disco en vivo en el Teatro Paradiso. Y luego le tocó el turno del encantamiento a los jazzistas. Su ejecución del bajo (también aprendida de oído y observación) y su interesante lenguaje corporal les llamó la atención y lo invitaron a participar de sus festivales desde Nueva York, pasando por Canadá y terminando en Europa. Desde entonces, anualmente ha estado presente en todos ellos.

Sus conciertos han cruzado el planeta: Tokio, Hiroshima, Bélgica, Alemania, Suiza, España, Suecia, Francia, Australia, Países del Este, Cuba, Turquía, Finlandia, Islas Canarias, Dinamarca, Inglaterra, Canadá, Estados Unidos y toda Latinoamérica.

En la década de los noventa se unió en actuaciones con Tito Puente Celia Cruz Cheo Feliciano La India José Alberto ‘El Canario’, Tony Vega y Domingo Quiñones. Su voz está presente en documentales, temas de telenovelas y en producciones de Walt Disney.

Increíblemente su formación empírica le ha dado la capacidad de poder ‘por oído’ realizar un arreglo y más aún, hacerlo en vivo. Su máquina musical es absolutamente diferente. Si la música la ha vivido y disfrutado a cabalidad, no ha hecho mella para su vida personal. Tiene ¡doce retoños! Su único vicio confesado abiertamente: ser un reproductor. Como asumido Canceriano, hogareño y amante de la familia, a la que considera el valor fundamental más allá que cualquier riqueza.

En su andar por el mundo, sus apelativos han sido muchos… El Bajo Danzante, obra de un locutor… El Faraón De La Salsa, bautizado así en Perú… El León… El Diablo De La Salsa, por una anécdota junto a Ricky Rey y Bobby Cruz, llamados Los Angeles de la Salsa… Y El Sonero del Mundo.

Su espíritu es incansable. Sus malestares, sus penas, sus rabias, todo siempre lo ha endulzado y sanado sobre la tarima. Allí se desquita, se da bálsamo y revive. Tiene el verdadero ‘espíritu negro’… Y su color de voz es tan amplio que da para lo ya escuchado y para mucho, pero mucho más.

Descarga el CD de Oscar D'leon TRANQUILO
Contraseña: calejos

BIOGRAFIA GILBERTO SANTA ROSA

2011-03-18T18:01:00.000-07:00

El Caballero de la Salsa, nació en Santurce, Puerto Rico en 1962. A los 12 años organizó una agrupación de aficionados dando sus primeros pasos en el género de la música tropical. Dos años más tarde recibió del maestro Mario Ortiz la primera oportunidad para grabar profesionalmente. De lleno en el ambiente musical se integró profesionalmente a la orquesta La Grande por espacio de dos años. Allí conoció al maestro Elías López, quien lo ayudó a pulirse como intérprete y junto a quien incursionó como corista en grabaciones de otros exponentes del género afroantillano.

En 1980 le surge una importante oportunidad al participar en la grabación "Homenaje a Eddie Palmieri" con la Puerto Rico All Star. De esta experiencia se integra a la conocida orquesta de Tommy Olivencia con quien realizó varias grabaciones hasta ingresar a la orquesta de Willie Rosario, con quien graba seis discos adicionales.

A sus 24 años debutó como solista y director de orquesta con el apoyo de la compañía Combo Records del maestro Rafael Ithier y el productor Ralph Cartagena. Grabando cuatro discos de larga duración Gilbertito se reafirmó como uno de las promesas más importantes de la salsa de fin de siglo.

En 1990, hace su debut teatral en la obra "La pareja dispareja" junto a Rafo Muñiz y Luis Vigoreaux, hijo. Además, debuta en el Centro de Bellas Artes en un concierto junto al nicaragüense Luis Enrique, en el cual confirmó su enorme arraigo y su don para el soneo.

Fue para esa fecha que pasó a formar parte de la familia discográfica CBS, hoy conocida como Sony Discos. Su primera producción para este sello fue "Punto de vista" en 1990, la cual recibió Disco de Oro y Platino. Pero a ésta siguieron entonces los exitosos lanzamientos de nuevas producciones como fueron "Perspectiva" (1991), "A dos tiempos de un tiempo" (homenaje a Tito Rodríguez editado en 1992), "Nace aquí" (1993, "De cara al viento" (1994), "The Man and His Music", producción que en 1995 recoge en vivo la presentación del artista en el prestigioso Carnegie Hall de Nueva York; "Esencia" (1996) y "De corazón" (1997).

Su música y su estilo inconfundible lo llevaron hasta Japón, país que visitó como embajador musical de Puerto Rico en 1995 y en el que logró romper con las barreras idiomáticas, al interpretarles "De cara al viento" en el difícil idioma japonés.

Desde entonces el mercado internacional lo reclama convirtiéndolo en uno de los artistas del género tropical de mayor demanda en el exterior. Muestra de ello son las exitosas presentaciones realizadas en el Primer Festival Presidente en República Dominicana, el Lincoln Center de Nueva York con Andy Montañez en julio de 1997; en el Teatro Anayansi en Panamá en septiembre de 1997 y en el Anfiteatro de Estudios Universal en Hollywood con Olga Tañón.

Su carrera cosechó grandes éxitos al fundir el género clásico y tropical en el histórico concierto "Salsa Sinfónica" presentado en el Centro de Bellas Artes, de San Juan. Acompañado por la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, su producción se presentó en los Estados Unidos, así como rompió récords de taquilla en el Teatro Teresa Carreño de Caracas, en febrero de 1998. Ese momento histórico, que fue plasmado en compacto, fue reconocido por la Fundación Nacional para la Cultura Popular de Puerto Rico como una de las grabaciones más importantes del año.

Con la llegada del nuevo siglo, "Salsa sinfónica" lo devolvió a Venezuela para reponer en Maracaibo su triunfal concierto. Con una función vendida en su totalidad, el cantante contó con el acompañamiento de la Orquesta Sinfónica de Maracaibo. Allí, en la cuna de las gaitas, Gilberto Santa Rosa compartió tarima con una de las figuras más importantes de este género, Neguito. Acto que complementó su trabajo en Caracas cuando el insigne Simón Díaz subió a la tarima del Teatro Teresa Carreño para acompañarlo en la interpretación del clásico "Caballo viejo".

El lanzamiento de su álbum "Expresión" reforzó la presencia de Gilberto en el mercado discográfico internacional. Ciertamente su ofensiva irrumpió al son de "Déjate querer". Pero fue el tema "Que alguien me diga", original de Omar Alfanno, el que lo mantuvo por numerosas semanas en el primer lugar de las listas de Billboard.Expresión logró penetrar en mercados como el centroamericano. Allí el artista puertorriqueño recibió un Disco de Oro por las ventas obtenidas en dicha región y realizó además su primer concierto a beneficio de la Fundación de la Tercera Edad.

En promoción para esta producción Gilberto viajó por primera vez a Buenos Aires mientras Que alguien me diga, tema del compositor Omar Alfanno, ocupó la primera posición en la lista Hot Latin Tracks de la importante revista Billboard.

La producción fue escogida por la Fundación Nacional para la Cultura Popular como una de las 20 producciones más sobresalientes de 1999. De la misma manera su concierto en el Coliseo Roberto Clemente de San Juan resultó ser todo un éxito artístico.

En Colombia fue parte del espectáculo Los grandes soneros donde compartió la tarima con los cantantes Elvis Crespo y Víctor Manuelle. Su intervención en esa actividad arrancó sonados aplausos de la multitud que se congregó en el Estadio El Campí de Bogotá.

Luego participó en el evento Supercalientes" conciertos de verano que se llevó a cabo en el Centro Español de Santiago de los Caballeros y la Fortaleza Ozama en Santo Domingo. Allí el artista puertorriqueño deleitó al público dominicano con su gran voz y ritmos contagiosos.

Con varias nominaciones al Grammy Latino, Gilberto Santa Rosa ganó en Puerto Rico el Premio de Cantante de Salsa del Año y el People's Choice, galardón que se otorga por votación popular en los premios Tu Música.

El año 2002 marcó el regreso del cantante con una nueva producción discográfica titulada Viceversa. La misma contó con la colaboración de los compositores Kike Santander, Polo Montañez, los cantantes boricuas Domingo Quiñones y Víctor Manuelle y además una nueva versión del tema Sacúdeme del recordado sonero puertorriqueño Ismael Rivera. El primer sencillo en promoverse fue la balada Por más que intento, compuesta por el colombiano Kike Santander.

En febrero de 2003 Gilberto cosechó aplausos unánimes de la prensa especializada por la presentación del concierto Viva Rodríguez en tributo al desaparecido Tito Rodríguez. En la producción, que subió a escena en la Sala de Conciertos Felipe Rodríguez del centro de Bellas Artes de Caguas, Santa Rosa interpretó la música que hizo popular el inmortal Tito utilizando los arreglos originales del cantante. Fiel al inter és de Gilberto en honrar las grandes figuras del género tropical, Santa Rosa integró vídeos de Rodríguez así como presentó una exposición de memorabilia del homenajeado, la cual contó con un montaje de la Fundación Nacional par la Cultura Popular.

El éxito de esta producción se repitió entonces en el Carnegie Hall de Nueva York. Allí, ante unas 3,000 personas que llenaron el prestigioso centro, el cantante revivió clásicos como Lo mismo que a usted, Cuándo, cuándo, cuándo, Cara de payaso, Mío, Se te olvida, Yo soy tu enamorado e Inolvidable. Igualmente, Gilberto cantó a dúo con el veterano intérprete Cheo Feliciano, entonando ambos Tiemblas, Si tú supieras, Ya son las 12, El pañuelo y Llanto de luna.

Mientras sus presentaciones ganaban elogios de la prensa y el público, el lanzamiento del compacto Solo boleros lo mantuvo vigente en el cancionero con sus temas románticos. Dos de sus interpretaciones incluidas en la grabación, Mentiras y Un amor para la historia, fueron escogidas como temas de la producción mexicana de la telenovela Mirada de mujer: El regreso. Ante ello, Gilberto cobró fuerza respetable en las ondas radiales de los países de la cuenca del Caribe, así como en las emisoras hispanas de los Estados Unidos.

Simultáneamente, el sonero puertorriqueño formó parte del homenaje que la Orquesta Estrellas de la Fania le rindió a Don Tite Curet Alonso y a la Guarachera de Cuba, Celia Cruz, en el Madison Square Garden de Nueva York. En el reconocimiento póstumo, celebrado en la 28 edición de Salsa Fest, el cantante fue aclamado junto a los veteranos Johnny Pacheco, Néstor Sánchez, Cheo Feliciano, Oscar D'León, Bobby Cruz, Richie Ray y Víctor Manuelle.

Luego de rendirle honor a las mencionadas figuras, el cantante se enfrentó a uno de los retos más importantes de su carrera artística: interpretar el rol de Pedro Navaja en el famoso musical La verdadera historia de Pedro Navaja. La obra subió a escena en noviembre de 2003 y contó con un elenco integrado por reconocidas figuras de la música popular como Yolandita Monge, Giselle, Michael Stuart y Elvis Crespo, entre otros.

La reposición del musical, estrenado originalmente en 1981 y dirigido por Pablo Cabrera, recibió reseñas favorables y contó con el respaldo incondicional de más de 20,000 espectadores. Ante ello, la reposición de la producción se anunció para el año entrante, esta vez en el Centro de Bellas Artes de San Juan.

A inicios de 2004 el cantante ofreció un inolvidable recital en el Centro de Bellas Artes de San Juan. Bajo el título de Tiempo de amar, Santa Rosa deleitó a su público con el repertorio de su más reciente grabación Sólo boleros. El éxito de este concierto lo llevó a abrir nuevas funciones para complacer la demanda del público que quería aplaudirlo.

Fiel a su compromiso de evolucionar continuamente en los escenarios, Gilberto se unió a Rubén Blades para presentar un concierto masivo en Puerto Rico. Posteriormente realizó una serie de presentaciones junto a Chucho Avellanet en el Hotel Condado Plaza, el cual fue un acierto de taquilla y le ganó nuevos aplausos de la prensa especializada.

Discografía principal-

Auténtico (2004) Sony Discos
Solo boleros (2003) Sony Discos
Viceversa (2002) Sony Discos
Intenso (2001) Sony Discos
Romántico (1001) Sony Discos
Expresión (1999) Sony Discos
Salsa Sinfónica: En vivo desde el Teresa Carreño, Caracas (1998) Sony Discos
De corazón (1997) Sony Discos
Esencia (1996) Sony Discos
En vivo desde el Carnegie Hall (1995) Sony Discos
De cara al viento (1994) Sony Discos
Nace aquí (1993) Sony Discos
Cuando se canta bonito (1993) Polygram
A dos tiempos de un tiempo (1992) Sony Discos
El Caballero de la Salsa Vol. 1 (1992) Combo Records
Perspectiva (1991) Sony Discos
Punto de vista (1990) Sony Discos
Salsa en movimiento (1989) Combo Records
De amor y salsa (1992) Combo Records
Keeping Cool! (1987) Combo Records
Good Vibrations (1986) Combo Records

Descarga el album: Romantico (2000)

EL GRAN COMBO DE PUERTO RICO

2011-02-21T15:16:00.000-08:00

El Gran Combo de Puerto Rico
Grupo Puertorriqueño de Salsa
Fecha de Fundación: 1962

Esta institución musical conocida como El Gran Combo de Puerto Rico surge tras la ruptura del Combo de Rafael Cortijo en 1962. En esa ocasión varios ex integrantes se reunieron con el empresario Rafael Alvarez Guedes con el propósito de formar un grupo musical que acompañaría al cantante dominicano Joseíto Mateo en una grabación para el sello Gema. El disco, producido bajo el título de "Menéame los mangos", contó con la participación Rafael Ithier, Eddie Pérez, Héctor Santos, Kito Vélez, Martín Quiñones, Miguel Cruz y Roberto Rohena. La agrupación, bautizada entonces por Alvarez Guedes como "El Gran Combo" se reunió nuevamente para sentar las bases de lo que sería una de las orquestas de más prestigio en el ámbito nacional e internacional, según documentan las historiadoras del grupo, Enid Collazo e Iris Corchado.

Tras un comienzo tormentoso, la calidad de sus músicos les abrió puertas en la emisora WIAC donde iniciaron un programa radial junto a Fidel Cabrera. Poco a poco se fueron dando a conocer en los hogares puertorriqueños y el 26 de mayo de ese año hicieron su primera presentación pública en el salón Rock and Roll de Bayamón. Luego pasaron a WKAQ con Turín Llamas, donde se fraguó su debut ante las cámaras de televisión en "La Taberna India". Posteriormente debutan en el Hotel La Concha, casualmente alternando en un baile homenaje en honor a Rafael Cortijo.

Luego de esta actividad el cantante Chiqui Rivera salió del grupo y Sammy Ayala recomendó para sustituirlo un joven de Trastallares de nombre Junior Montañez. En su debut, a través de WKAQ, el cantante interpretó un número de Bobby Capó que impresionó a varios de los presentes, entre ellos a Felipe "La Voz" Rodríguez, quien le indicó que habían muchos 'Juniors' en el ambiente y que debía cambiarse el nombre por "Andy". A partir de entonces y durante los próximos 15 años, Andy Montañez, habría de convertirse en un mimado del público latinoamericano. Luego regresó Roberto Rohena y permaneció con el Combo durante siete años, cuando finalmente lo abandona para fundar sus Apolo Sound.

Dos días antes del asesinato del presidente John F. Kennedy, salió al mercado la primera producción discográfica del grupo, "Acángana". El luto se apoderó del pueblo puertorriqueño y los productores del disco, los hermanos Alvarez Guedes, detuvieron la distribución en el País y enviaron la grabación a Panamá, Venezuela y México, donde sonó con fuerza en los distintos medios de la época. Luego llegó a Nueva York y finalmente a Puerto Rico, donde fue acreedor de su primer Disco de Oro.

Al año siguiente se presentaron por primera vez en la ciudad de Nueva York, donde cosecharon éxitos rotundos en las más prestigiosas tarimas de baile, entre ellas, el Palladium Ball Room, el Bronx Casino, el Manhattan Center y El Caborrojeño. De ahí les abrieron las puertas otras ciudades internacionales, entre ellas Curazao, Panamá, Santo Domingo, y luego Venezuela, Colombia y el resto del continente americano, donde sus números alcanzaron el tope de las listas de los más escuchados. Durante esa época cosecharon tantos admiradores, que muy pronto habrían de lograr un contrato de exclusividad para la televisión boricua en "El Show de las 12", bajo la producción de Paquito Cordero.

El exceso de publicidad a través de la pantalla chica mermó la demanda por el grupo en bailes y actividades públicas y privadas, pues los fanáticos disfrutaban de su sabor a diario desde la sala de sus hogares. Las ventas de sus discos descendieron y también los contratos. Luego de grabar doce discos de larga duración, en 1967 ganaron su segundo "Disco de Oro" por las ventas de la producción "Boogaloo con El Gran Combo".

Dos años más tarde se pone a prueba la estabilidad del grupo con la salida y entrada de algunos músicos, entre ellos Roberto Rohena y Elías Lopés, sustituidos por Baby Serrano y Edwin Cortés. También salen Héctor Santos y Víctor Pérez, y entran por ellos José Duchesne y Mike Torres, quien después sería sustituido por Tommy Sánchez. Más tarde sale Edwin Cortés y entra Gerardo Cruz, quien permanece con el grupo durante diez años. Pese a las dificultades, sus integrantes lograron armonizar y "Los mulatos del sabor" vuelven a la cima de la popularidad, y reciben el "Agüeybaná de Oro" como mejor orquesta de 1969.

La década de 1970 se inicia con otros cambios, entre ellos la salida de Milton Correa y la entrada de Miguel Marrero. Se integra al grupo Mike Ramos y sale Mike Torres, quien fue sustituido por Alfredo (Taty) Maldonado. Pese a la renovación, la orquesta siguió ganando adeptos y ese año recibieron "El Momo de Oro", máximos galardón de Venezuela como mejor orquesta internacional, y posteriormente el Festival de Orquestas de Venezuela. La fama de la institución musical trascendía países y continentes. Representantes de casas disqueras entraron en conversaciones con el Combo, pero no prosperaron. El contrato con el sello Gema no les fue renovado, de manera que se encontraron huérfanos de una casa disquera y debieron emprender la difícil empresa de producir sus propios discos. Para ello, Andy tuvo que hipotecar su residencia por $7,000 a pagarse en 30 días. Así nació el sello EGC cuyo primer trabajo se grabó bajo el título "Estamos primeros, El Gran Combo".

En 1971 incorporan a la orquesta el trombón, hábilmente interpretado por Epifanio (Fanny) Ceballo, quien permaneció con el grupo hasta su muerte de cáncer en 1991. Su primera producción con el nuevo sonido fue "De punta a punta" e incluyó los clásicos "Don Goyo", "Achilipú" y "Le dicen papá". Al año siguiente fueron premiados por Record World Magazine como "El Combo del Año" y también ganaron el Festival del Disco de Oro en Miami. Poco después se producen cambios adicionales con la salida del cantante Pellín Rodríguez, quien se lanza como solista. Por él entra Marcos Montañez, hermano de Andy, y permanece con el grupo unos seis meses, cuando entró por él uno de los cantantes actuales, el virtuoso sonero Charlie Aponte.

Por razones de salud en 1975 abandona el grupo uno de los fundadores, el bajista Miguel Cruz, sustituido por Fernando Pérez. El año siguiente fueron declarados "Ciudadanos Honorarios de Nueva Orleáns y en 1977 ganaron la Copa del Presidente de Venezuela como mejor agrupación musical internacional. Ese año se producen otras bajas lamentables tras el retiro de Martin Quiñones y la salida de Andy Montañez, quien recibió una oferta para cantar con la Dimensión Latina de Venezuela. Sustituir a Andy fue difícil, pero hallaron la voz recia y la capacidad de sonear en el talentoso Jerry Rivas.

Muchos dudaron de sus nuevos cantantes, pero muy pronto se disiparon las dudas con la grabación de "El Gran Combo en Las Vegas", álbum ganador del Disco de Oro en 1978.

La década cerró con otros galardones importantes, entre ellos un reconocimiento otorgado por la corporación organizadora del Festival de Bomba y Plena del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Y estrenan la nueva década con un Disco de Oro por el álbum "Aquí no se sienta nadie"; así como un viaje a Perú que los colmó de gloria en el país andino. El próximo año reciben el Calendario de Plata en México, un mercado difícil de conquistar.

Al cumplir 20 años, El Gran Combo recibió múltiples reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que se destacaron "El Congo de Oro" de Colombia, una Resolución del Senado de Puerto Rico y otra del pueblo de Dorado, así como un Premio Paoli. Dos años más tarde probaron ser "La Universidad de la Salsa", al llevar su música a las frías tierras de Alaska, donde encendieron el ambiente con el calor de su ritmo. Honran la visita con la grabación del disco "Breaking the Ice - El Gran Combo en Alaska" nominado para un Premio Grammy. Ese año ganan otro Premio Paoli y la radioemisora Z-93 le dedica el Primer Día Nacional de la Salsa a Rafael Ithier. Ya para entonces El Gran Combo había conquistado países como Inglaterra, Alemania, Holanda, Suiza, España, Argentina, Venezuela, Japón y todos los Estados Unidos.

En 1982 se presentaron en un concierto histórico en el Madison Square Garden, donde celebraron su Aniversario de Plata ante un abarrotado público que entonaba de pie "Feliz cumpleaños". Otros homenajes no se hicieron esperar e igualmente recibieron "El Guayaquil Luminoso" de Ecuador, el "Premio Aplausos a la Mejor Orquesta", una Resolución de la Cámara de Representantes de Puerto Rico, otra de Bayamón y una proclama del pueblo de Juncos, entre otras. Cinco años más tarde celebraron a todo dar sus 30 años como embajadores de la alegría, iniciando las festividades con un juego de softball con estrellas actuales y legendarias del baseball de Grandes Ligas y artistas invitados, entre éstos, Víctor Pellot Power, Rubén Sierra y Gilberto Santa Rosa.

Los homenajes continuaron en Madrid, donde celebraron en grande y recibieron amplia cobertura en los diarios. A su regreso el Senado de Puerto Rico les rindió un homenaje y los nombró en su Resolución "Embajadores de Nuestra Música". Pero la actividad cumbre de pueblo se celebró en el estadio Hiram Bithorn ante más de 30 mil fanáticos que disfrutaron la historia musical de nuestros "Mulatos del Sabor", en unión de Andy Montañez, Gilberto Santa Rosa, Jerry Rivera, Alex D'Castro, Johnny Ventura y La Sonora Ponceña. Dos meses más tarde se le rindió otro homenaje organizado por sus esposas en la sede del Centro de Convenciones del gobierno de Puerto Rico. Entre tantos premios y distinciones, sus integrantes consideran que el mejor de todos ha sido el respeto, respaldo y el aplauso de su público.

En 2002 la agrupación salsera celebró sus 40 años de fundación con dos conciertos masivos en el Coliseo Rubén Rodríguez de Bayamón. La producción dio paso al lanzamiento de un disco compacto que se distinguió como uno de los más sobresalientes del año, según la Fundación Nacional para la Cultura Popular.

Un año más tarde, la Academia de las Artes y Ciencias de la Grabación en los Estados Unidos reconoció la producción otorgándole un premio Grammy en la categoría de disco triopical.

En la actualidad El Gran Combo de Puerto Rico está compuesto por Rafael Ithier (director musical, piano), Charlie Aponte, Jerry Rivas y Papo Rosario (cantantes); Taty Maldonado (trompeta); Víctor Rodríguez y Moisés Nogueras (trombón); Freddie Miranda (saxofón), Eddie Pérez (saxofón alto); Freddie Rivera (bajo); Miguel Torres (congas); Domingo Santos (timbales) y Mitchell Laboy (bongó).

descarga el album de exitos de El Gran Combo

CELIA CRUZ - LA GUARACHERA DE ORIENTE

2011-02-04T15:03:00.000-08:00

Celia de la Caridad Cruz Alfonso (Celia Cruz) nació en La Habana, Cuba, el 21 de octubre de 1925. Denominada la Diosa Rumba, la Guarachera de Cuba, la Reina de la Salsa y otros apelativos cariñosos. Una de los cuatro hijos de Simón Cruz y Catalina Alfonso. Su niñez de origen humilde la vivió en el Barrio Santo Suárez. De pequeña gustaba ver los bailes y orquestas desde las ventanas de los bares acompañada de sus amigas.
Comienzos de Celia

Estudió para ser maestra de escuela y posteriormente abandonó el Magisterio para dedicarse a ser cantante, siguiendo el consejo de su profesora de sexto año quien le dijo que le iría mejor en el canto dada su maravillosa voz. Allí en su escuela solía cantar en los eventos que se efectuaban. Su madre siempre la apoyó en todo lo relacionado con el canto, a diferencia de su padre, quien veía con recelo esta carrera, dadas las creencias de la época respecto a las mujeres artistas que solían ser criticadas duramente.

Desde los 14 años participaba en concursos de canto. Participó en el concurso para aficionados La Hora del Té, en donde ganó una torta. Al cuarto sábado de ir a este concurso, ganó una cadena de plata. La primera canción que interpretó en público fue el tango Nostalgia.

Trabajó en RHC Cadena Azul al lado de la pianista Isolina Carrillo, tiempo en el que decidió interpretar música afrocubana. En 1942 perteneció a la orquesta de Obdulio Morales y en 1947 hace varias grabaciones con la orquesta de Ernesto Duarte.
Ya profesionalmente comenzó cantando en Radio García Serra, luego en la emisora L.010, en Radio Cadena Suaritos intervino en un programa de música afrocubana. Realizó estudios de música en el Conservatorio Musical Habanero.

Cuando trabajaba en el Club Tropicana, hacia 1950, conoció a Rogelio Martínez, el cual la contrató para que trabajara en el programa que tenía La Sonora Matancera en Radio Progreso, en La Habana, reemplazando a Mirta Silva, para lo cual tenía que ensayar de Lunes a Sábado de 9 a 12 del día.
Un año después, en 1951, hizo su primera grabación en un disco de 78 rpm: Cao cao maní picao y Mata siguaraya, canciones que le abrieron el camino del éxito.
Su primera visita a Colombia la realizó en 1953 con La Sonora Matancera, y desde entonces siempre visitó al país anualmente para participar en certámenes como la Feria de Cali y el Carnaval de Barranquilla.
En 1957 obtuvo disco de oro por Burundanga, la cual grabó en 1953.

Con La Sonora Matancera participó en varias películas cubanas: Affaeir en La Habana, Olé Cuba, Una gallega en La Habana y Salón México.
El 15 de julio de 1960 salió de Cuba para nunca regresar, residenciándose primero en México y posteriormente en Nueva York, Estados Unidos. El 7 de abril de 1962 estando trabajando en un show, supo de la muerte de su señora madre, y aun así, su enorme profesionalismo la empujó a no detenerse y hacer que continuara el espectáculo.
Se casó el 14 de julio de 1962 con Pedro Knight (quien fue primer trompetista de la Sonora Matancera durante muchos años), para ese entonces celia ya tenía la ciudadanía en Estados Unidos. Pedro y Celia no tuvieron hijos.

Durante su paso por La Sonora Matancera la caracterizaron canciones como: Caramelos, El bajío, Dile que por mi no tema, Tu voz, Yerbero moderno y Burundanga.

En 1965 se retira de La Sonora Matancera dejando plasmados 184 temas y muchas grabaciones cantando en vivo en Radio Progreso.
Celia & Tito Puente

En Nueva York hacían presencia artistas de la talla de Tito Rodríguez y Tito Puente, con quien Celia empezó a alternar a partir de 1966, grabando con Tito Puente ocho álbumes para el sello Tico Records.

En el año 70 entabló amistad con Johnny Pacheco, comprometido con el proyecto Fania, siendo Celia parte del mismo, grabando desde 1974 varios temas como: Cúcala, Quimbara y Bemba colorá. Recorrió escenarios de América, Europa y África al lado de estrellas como Héctor Lavoe, Cheo Feliciano, Willie Colón, Ricardo Ray y Pete "El Conde" Rodríguez.

Celia, para los años setenta, hacía parte de un movimiento musical que reivindicaba lo urbano, especialmente manifestado en historias de inmigrantes latinos que llegaron a Estados Unidos, "en busca de otro ambiente", como dice la letra de la canción 'La dicha mía', que compuso para ella el boricua Tite Curet Alonso.
Fue muy amiga de Matilde Díaz, cantante insigne de la Orquesta de Lucho Bermúdez y principal exponente de los ritmos tropicales colombianos, con la cual grabó a dúo Las Pilanderas.
Se caracterizó por su extraordinaria voz de alto registro y vocalización exacta, comparable en potencia con las trompetas de La Sonora Matancera, por su famosa expresión "Azúca!!!" y por su inmensa colección de pelucas y trajes coloridos con los cuales subía al escenario.
Celia & Grammy

Fue nominada a 13 premios Grammy y ganó dos. De igual manera fue nominada a seis premios Grammy Latino de los cuales ganó tres. Obtuvo dos Doctorados Honoris Causa: de la Universidad de Yale en 1989 y de la Universidad de Florida en 1992.
Recibió innumerables homenajes como el de Hollywood en 1987 donde se le dio una estrella en el Paseo de la Fama y en Miami la Calle 8 fue nominada como "Celia Cruz Way", entre otros.
Participó en películas como Los Reyes del Mambo, al lado de Antonio Banderas y en The Perez Family (Cuando Salí de Cuba). En televisión, participó en la novela mexicana El Alma no Tiene Color.
En noviembre de 2002 fue operada de un tumor en la cabeza. Luego de varias recaídas falleció el 16 de julio de 2003 víctima de un cáncer cerebral en su hogar de Nueva Jersey acompañada de su fiel esposo Pedro Knight y otros miembros de su familia.

DESCARGAR EL ALBUM EXITOS DE CELIA CRUZ

ORIGEN DE LA BACHATA

2011-01-20T12:34:00.000-08:00

El origen de este ritmo popular, que en la actualidad tiene gran incidencia en el gusto musical de los dominicanos, se ubica a comienzo de los años 20 delsiglo XX. El término bachata era otorgado a un tipo de reunión social, emparentada con la jarana de la época, definido por la presencia de varios géneros de música y baile populares. Etimológicamente, la palabra bachata es sinónimo de fiesta, distracción, juerga, holgorio, parranda, según Fernando Ortiz.
La bachata constituía una forma de recreación popular: una fiesta que se realizaba en cualquier patio, bajo la sombra de un árbol callejero, o en una esquina cualquiera, y cuyo antecedente podría establecerse que fue el fandango, del cual refiere Veloz Maggiolo que: "Casi todos los cronistas que tocan este tema lo refieren a una festividad abierta y no a una música".
Las dos menciones más antiguas, acerca de la bachata, encontradas en documentos datan de 1922 y 1927. La primera la contiene un informe que se refiere al hombre común del poblado de Sabaneta, en la Línea Noroeste, donde se habla de vicios y apetitos mal contenidos.
La segunda mención en la que aparecía este ritmo, definía la bachata como animados jolgorios en los que "el trovador popular se hacía rey y comentarista de todo suceso empleando para ello el repentizado bolero.

Origen Social

Por su origen social y temático, desde un principio aparecieron sectores aficionados a la bachata, casos de las trabajadoras domésticas, guardias, campesinos y peones, entre otros. Puede señalarse que en estos grupos sociales, la música es síntesis de cientos de años de vivencias en la
marginalidad.
En relación con ellos fue que surgieron distintas denominaciones para la bachata, con sentido peyorativo, tales como "música de guardia", "canciones de amargue", o "discos de vellonera". A todas estas manifestaciones se les consideraba "bajas" por su origen social plebes, inmorales, indecentes, impuras, pecaminosas.
A partir de los años treinta, el tipo de celebración que era la bachata se extiende hasta los bares, casas de cita, y lugares similares. En Santiago de los Caballeros era famoso el llamado Callejón de la Alegría, donde por primera vez se usó el saxofón en el Caribe a comienzos del siglo XX en el conjunto denominado Perico Ripiao - que ejecuta el merengue típico dominicano-, y por donde, también, ingresó a la República Dominicana el son cubano alrededor de 1930.

DESCARGA ALBUM DE EXITOS BACHATEROS

Bachata y baile

El artista dominicano, Juan Luis Guerra reconoce en la bachata "un bolero antillano", otros observan también la influencia de la guaracha y del son, en los años ochenta se puso en evidencia la existencia de dos vertientes rítmicas de la bachata, una pausada y otra acelerada. Existe la hipótesis de que los primeros bachateros crearon una forma propia y acelerada de bolero, con letras similares a la de este y una manera gangosa de cantar, con una voz de resonancias nasales, y con giros de desgarramiento, dolor y amargura, de ahí el sobrenombre de "música de amargue" que se le endilgó durante mucho tiempo.
A estas formas de canto y música se le agregó un cambio en coreografía del baile, incluyendo un elevamiento de los pies al concluir cada ciclo de los movimientos del baile, con lo cual quedó conformado el género como un ente musical y danzario autónomo, en los años sesenta del siglo XX.

Bachata urbana

A la caída de Trujillo, la afición por la guaracha era tal que pronto esa influencia encontró una expresión masiva en la radio, en aquél entonces, Radio Guarachita se convirtió en la emisora especializada en esa música, cuyo nombre salió de la inclinación popular hacia ese ritmo.
El nombre de Guaracha y el de Música de Amargue, durante mucho tiempo se disputaron la denominación del nuevo género, aunque en los tiempos recientes el nombre de bachata se ha hecho indisputable. El paso final hacia la constitución de la bachata como especie musical autónoma resulta difícil establecerlo con precisión debido a que su evolución fue espontánea y anónima, al ser revisados los planteamientos de los conocedores de este tema. De manera tentativa se expone que el paso definitivo de la bachata se produjo en el ámbito urbano, contrario a la idea de que su origen es rural.
Dicho en otras palabras, aunque el término bachata designaba en sus orígenes una actividad de preeminencia rural, el género musical bachata, que resultó de la evolución de aquélla, es de origen urbano, producto de un movimiento de traslación que convirtió a las ciudades en el epicentro de actividad. Los datos indican que ese paso se produjo entre 1950 y 1965.
En los años treinta, en Santiago de los Caballeros, de donde fue mencionado El Callejón de la Alegría, se conocieron como músicos "bachateros" a Ramón Wagner ("Mon La Bruja"), y al "Conjunto de la Mulatería", donde tocaban Jim Sánchez y Morito Sánchez, entre otros.
En esos años alcanzaron popularidad en el país lo grupos cubanos como Los Compadres, el Sexteto Habanero y el Trío Matamoros, el cual se encontraba en Santo Domingo en agosto de 1930, y en donde pasaron el ciclón San Zenón, el cual dio origen al tema El Ciclón.
Las transformaciones parece que ocurrieron a partir de entonces, y antes de la guerra patriótica de 1965, como síntesis de varias confluencias.
Historia más reciente de la bachata: En 1989 el músico Dominicano Juan Luis Guerra produjo el álbum Bachata Rosa, alcanzando récords de ventas en el país y en el ámbito internacional. Este álbum contribuyó a explotar el ritmo a nivel mundial. La bachata ahora goza de popularidad en plazas como Alemania, España, Holanda, México, Estados Unidos, y muchos más países.
José Manuel Calderón es considerado por muchos como el fundador o papa de los bachateros de una época, porque fue el primero y también el más popular en su tiempo.
La música de Calderón fue popular no solo por sus letras si no también por su voz y por el sentimiento que transmitía en sus canciones. Calderón acumuló muchos éxitos en su carrera tales como "serpiente humana", "luna", "sálvame" y otros más. En su época también se destaco Rafael Encarnación que con su voz aguda y diferente cautivo a los amantes de este ritmo, pero su carrera fue acortada por su fallecimiento en un accidente de transito, durando más o menos dos
años en el medio artístico.
Otro gran exponente que debe ser mencionado es Luis Segura, mejor conocido como "el añoñaito" por su estilo propio al cantar, quien empezó su carrera poco después del fallecimiento de Encarnación en el 1964. Segura es el bachatero que más años ha durado vigente en el medio artístico. Luis Segura, se podría considerar como el bachatero representativo de una época, porque con su éxito "pena por ti" a principio de los años 80 abrió otra página en la historia de este ritmo. Esa canción aumentó la popularidad de la bachata que estaba en decadencia durante esos años, después de ese hit a la gente ya no le daba vergüenza que lo vieran escuchando bachata como en las décadas pasadas. La nueva generación de este ritmo cuenta con intérpretes de mucha calidad interpretativa y gran calidad componiendo canciones, tal es el caso de
Anthony Santos, Raulin Rodríguez, Teodoro Reyes y Joe Veras, entre otros muchos más artistas de este género.
Además hay que destacar a intérpretes como Frank Reyes, Luis Vargas, Monchy y Alexandra, Zacarías Ferreira, y Alex Bueno. En los últimos años también ha obtenido un gran éxito a nivel nacional e internacional la agrupación bachatera radicada en Estados Unidos, Aventura.

CONOCE AL SON CUBANO

2011-01-10T06:47:00.000-08:00

En la región oriental de la Isla está el origen del Son cubano esencialmente en Santiago de Cuba y la serranía. Algunos estudiosos también mencionan a la provincia de Guantánamo relacionándolo con las fiestas del Changüí que allí se celebraban desde tiempos remotos.

El Son como género musical surge a finales del siglo XIX como parte de la formación de la nacionalidad cubana.

El Son comenzó a hacerse popular en las fiestas del Carnaval de Santiago de Cuba aproximadamente por el año 1892. Era interpretado por Nené Manfugás, un músico que ejecutaba un instrumento rústico de tres cuerdas doble y una caja de madera llamado Tres. Este instrumento se convirtió rápidamente en el símbolo del Son hasta nuestros días.

Inicialmente la estructura musical del Son se basaba en la repetición constante de un estribillo de cuatro compases o menos cantado a coro, el cual era conocido como el Montuno que iba recibiendo la improvisación armónica de un cantante solista, que por lo general contrastaba con este estribillo.

Por su gran aceptación popular el Son no demoró en asentarse en los centros urbanos y es cuando adquirió el elemento estructural de la música europea, la inclusión de una sección cerrada, que se ubicó al inicio del canto y fue seguida por el estribillo o Montuno. El tema se centralizó en la primera parte del Son, esto enmarcó la improvisación o Montuno a repeticiones del tema con algunas variantes sobre este.

Descarga el album del septeto nacional de Ignacio Piñeiro

Sus instrumentos originales fueron: el tres y la guitarra, el bongó que aportó la concepción de la interpretación politímbrica de sus múltiples formas de ejecución, las maracas, las claves ("Sin clave no hay Son") y, finalmente, la marímbula y la botija que fueron sustituidas por el contrabajo al instalarse en los predios urbanos. Entre los instrumentos de percusión africanos y los de cuerda españoles se da un sincretismo musical en el Son; así como también en el aspecto vocal entre la décima española y el canto antifonal entre coro y solista de origen africano.

A principios del siglo XX, en el año 1909 ya el Son se propaga por todo el territorio nacional a través de los que emigraban de su lugar de origen hacia otras regiones, incluyendo la capital.

Inicialmente eran cuartetos de Son provenientes de las zonas rurales y dominaban el marco musical de la ciudad: pero en la década del 20, se transformaron en sextetos.

Por ejemplo, El sexteto Habanero fundado en el 1920 tuvo su antecedente en el cuarteto Oriental; y en 1927, con la adición de una trompeta, este se convirtió en septeto aunque seguían llamándole sexteto Habanero. Es así como se originó y definió este formato instrumental sonero, característico de los medios urbanos y de gran influencia en el resto del Caribe desde la década del treinta. Vale destacar, entre ellos, al Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro.

El Son era uno de los bailes de las clases pobres, rechazado duramente por las clases acomodadas, incluso prohibido por el gobierno que lo consideraba inmoral. Al entrar en los salones de baile de La Habana y otras ciudades importantes, al disfrutar de una gran difusión discográfica y gracias al trabajo musical de las agrupaciones pasó del solar a la conciencia del pueblo cubano y de ahí al mundo. A partir de los años 20 el Son llegó a superar al Danzón en el gusto popular.

La década del 30 representa el período de internacionalización del Son gracias, principalmente, a las presentaciones de la orquesta de Don Azpiazu con su cantante Antonio Machín en los Estados Unidos (1930) y Europa (1931). La orquesta de Azpiazu convirtió al Son Pregón de Moisés Simón "El Manicero" en un éxito mundial. Por otra parte el septeto Nacional de Piñeiro se presentó en la Feria Mundial de Chicago en 1933 y logró un triunfo arrollador.

En el 1940 surgen los Conjunto cuando Arsenio Rodríguez amplió el formato del septeto añadiéndole dos trompetas, la tumbadora y el piano. La guitarra se dejó de utilizar en los Conjuntos y el tres quedó como el instrumento emblema. En el conjunto de Arsenio el tres se ejecutaba en un estilo distinto a los otros formatos musicales del Son, el piano elaboraba tumbaos de gran vitalidad y la trompeta desarrollaba improvisaciones bien cubanas partiendo del swing americano. Con esta perspectiva musical el Conjunto de Arsenio y las otras agrupaciones que siguieron su pauta crearon una nueva sonoridad para el Son.

Otros Conjuntos que en la década del 40 se destacaron en la interpretación del Son por su calidad fueron: La Sonora Matancera como conjunto acompañante de grandes figuras del canto caribeño y el Conjunto Casino por su exquisita sonoridad e inigualable sabor interpretativo.

Benny Moré, en la década de los 50, creó una escuela aparte en la interpretación del Son, él en si mismo acompañado por su banda gigante (La Tribu, como les llamaba) era un estilo sin competencia, un fuera de serie en la música popular de todo el Caribe.

El son tiene una gran variedad de formas, entre ellas: el son montuno, el changüí, el son habanero, el son pregón y el sucu sucu entre otros.

A fines de los 60 y principio de los 70 los Van Van irrumpen con el Songo al mezclar el Son con la música electrónica del Beat. Juan Formell incorporó en la Charanga los trap drums, el bajo eléctrico, amplificó los violines a la vez que estos tenían un énfasis rítmico, los cantantes interpretan a tres voces y finalmente introdujo los trombones de las Charangas cubanas.

El Son es, sin duda, el género musical cubano que más ha influenciado en la Salsa; tanto en el formato instrumental, como en la estructura musical de esta hasta llegar a confundirse como un mismo fenómeno.

SALSA - EL BAILE

2010-12-29T15:17:00.000-08:00

Historia de la Salsa: el baile[...] Nuevamente, hay mucha controversia sobre el origen de la salsa como baile social y/o urbano. En este caso, encontrar las raíces del baile o aseverar según que afirmaciones es todavía más arriesgado. Colombianos, Cubanos, Puertorriqueños e incluso Newyoriqueños (nacidos en NY, de familia inmigrante puertorriqueña) reivindican su baile salsero como propio, auténtico y original. La mayor dificultad a la hora de proporcionar datos contrastables es que, a diferencia de la música, las fuentes de información son escasas. Uno puede acudir a cualquier portal de venta de música latina y adquirir discos remasterizados de Machito, Benny Moré o Chano Pozo. La música de antaño ha quedado grabada y esos son documentos irrefutables que nos pueden guiar hacia los orígenes. En el caso del baile, el material audiovisual existente es escaso. Necesitaríamos saber cómo se bailaba realmente en el Palladium en los años 50, por ejemplo, o en la Cuba pre-castrista o en el Puerto Rico de principios del siglo XX. Lamentablemente, nadie en el pasado reparó a documentar filmográficamente esos bailes. Todo lo que sabemos sobre el estilo de baile en el pasado se basa principalmente en testimonios personales subjetivos o fotografías que, obviamente, son estáticas.

Afortunadamente, las tradiciones culturales perduran y ciertos bailes antillanos tales como el Guaguancó, el Yambú, la Columbia, cubanos o la Bomba y la Plena puertorriqueñas siguen bailándose, aunque en círculos minoritarios y siempre vinculados al folklore cultural de cada país. Desafortunadamente, ninguno de esos bailes puede, hoy en día, calificarse como salsero o social, al igual que tampoco puede decirse que el Son es música Salsa al cien por cien.

Cuáles son los orígenes del baile salsero internacional que hoy en día se practica en NY, Puerto Rico, L.A., Londres, etc…? Esta sección tratará justamente sobre esa cuestión, remitiéndonos siempre a hechos documentados audiovisualmente. Eso nos remonta a los años 60-70, a lo sumo.

En la mayoría de países en los que actualmente se baila salsa, el baile es lineal, es decir, la pareja se encuentra frente a frente durante casi todo el baile, y los cruces de la chica se ejecutan en línea recta. Hay ciertas excepciones, como Cuba o Miami, lugares en los cuales el baile es circular, es decir, la chica se desplaza de un lado a otro del chico en trayectorias semicirculares. El baile lineal, a su vez, se puede subcatalogar en dos estilos hoy en día predominantes. Ambos estilos llevan el nombre de las ciudades en las cuales se crearon: New York y Los Ángeles. El baile circular al cual nos referíamos antes suele llamarse estilo Cubano, puesto que es el que se ha desarrollado en Cuba o por cubanos afincados en Miami. Durante el resto de la sección no haremos más referencias al baile circular y nos centraremos en los dos estilos lineales anteriormente mencionados.

Al igual que la música Salsa tiene origen en la fusión de ritmos afro-antillanos y jazzísticos, podríamos decir que la salsa actual proviene de fusiones semejantes, en el ámbito de la danza, se entiende.

1. Estilo New York (Mambo On2)

El creador de este estilo fue Eddie Torres, nacido en New York en 1950 en el mismo hospital que Tito Puente y criado por sus padres de origen puertorriqueño en el Spanish Harlem. Como muchos otros bailarines de NY, Eddie tomó contacto con el mambo en el Palladium alrededor de 1960. Según afirma el propio Eddie Torres, cuando él llegó al Palladium, el estilo que allí se bailaba ya era lineal, y el cruce de la chica (cross-body lead) era un movimiento estandarizado en las parejas. En aquel momento, el Palladium era el lugar donde se encontraban los mejores bailarines de cha-cha y mambo de NY (The Mambo Aces, Cuban Pete y Millie, The Cha-Cha Aces o Ernie Ensley). Esa generación de bailarines marcaron la época del Palladium hasta que, en 1965, se clausuró el local. Desde ese momento, todos los bailarines se trasladaron al club Corso. Allí se inicia la nueva era del mambo, protagonizada por Eddie Torres.

Eddie, aconsejado por una bailarina con la que empezó a impartir clases (June Laberta), cayó en la cuenta de que era necesario introducir el concepto del tiempo musical para así desglosar mejor las figuras y combinaciones. Eddie fue de los primeros bailarines de mambo que ”regularizó” el baile en acorde con la clave. Eddie reconoce que el estilo de baile de aquel momento empezó a adquirir ciertas influencias del Jazz (al igual que en la música). De hecho, Eddie afirma que incorporó ciertos elementos jazzísticos del profesor de Jazz Jo Jo Smith. Durante los 70, las clases de Eddie Torres empezaron a caracterizarse por su claridad en el desglose de los tiempos musicales y en una técnica muy elaborada del cross-body lead.

Ya, en los 80, Eddie fundó la compañía Eddie Torres Dancers y fue el director de los Tito Puente Dancers. Tito y Eddie colaboraron juntos durante muchos años. Para Tito Puente, los bailarines eran el complemento indispensable para un buen show de mambo. De hecho podemos hoy todavía ver filmaciones de conciertos de Tito Puente en el Madison Square Garden en los cuales Eddie Torres aparece en el escenario con sus bailarines.

Muchos bailarines de prestigio internacional han pasado por la escuela de Eddie Torres (Jayson Molina, Seon ‘Stylist’ Bristol o Frankie Martínez, por ejemplo). El estilo On2, se ha popularizado gracias a Eddie y sus múltiples discípulos.
En la actualidad, el estilo On2 sigue evolucionando e incorporando cada vez más elementos del Jazz u otros bailes de origen afro-americano. Bailarines tales como Juan Matos, Tito Ortos o Jay & Candy, entre otros muchos, siguen hoy en día manteniendo vivo este estilo de baile.

2. Estilo Los Ángeles (Salsa On1)

El estilo L.A., como su propio nombre indica, nació en Los Ángeles, de la mano de Francisco Vázquez (el hermano mayor de los Vázquez, Johnny y Luis) durante la segunda mitad de los años 90. Francisco Vázquez nació en Guadalajara (México) aunque en 1988 se desplazó a Los Ángeles. Una noche, en un club salsero de L.A., quedó cautivado por la forma de bailar de los que en aquellos momentos eran los mejores salseros de la ciudad (Albert Torres, Laura Canelias y Joe Casini). Al igual que Eddie Torres, Francisco no tenía ninguna base de baile, con lo que tuvo que aprender observando y aprovechando su enorme facilidad por el sentido del ritmo.

Francisco Vázquez evolucionó su forma de bailar y, progresivamente, fue introduciendo ciertas características del baile coreográfico de Hollywood. Los inspiradores de su estilo fueron los Nicholas Brothers, Gene Kelly y Fred Astaire. A diferencia del estilo NY creado por E. Torres, en el que el tiempo viene determinado por la clave y el tumbao, el baile de esas estrellas de Hollywood estaba caracterizado por hacer uso de los acentos musicales, determinados por la melodía. Eso fue lo que llevó a Francisco a hacer uso del primer tiempo como referencia básica en su forma de bailar (On1).

Posteriormente, Francisco formó a sus hermanos Johnny y Luis. Francisco y Johnny formaron la compañía de baile Los Rumberos, mientras que Luis creó otro grupo de salsa llamado Salsa Brava. También cabe destacar el trabajo conjunto que Francisco llevó a cabo con Rogelio Moreno, otro de los grandes del estilo L.A., director de la compañía Salsabor y Caché.
Podríamos decir que, históricamente, el estilo Los Ángeles es posterior y más reciente que el estilo N.Y. A diferencia del estilo N.Y., el estilo On1 ha incorporado muchos más elementos de otros bailes tales como el Jazz, el Tango o el baile acrobático.

Al igual que dentro del estilo On2 existen varias subestilos, en el estilo On1 tambien podríamos afirmar lo mismo. Por un lado, tenemos el estilo clásico establecido originalmente por Rogelio Moreno o Luis Vázquez (Salsa Brava), ambos caracterizados por una estética elegante, con referencias al Chicago de los años 50, en lo que a vestuario y temática se refiere. Por otro lado, tenemos un estilo más agresivo, más rápido y virtuoso, como el de Johnny Vázquez (Imperio Azteca) o el de Tropical Gem (Fernando Sosa).

En la actualidad, el estilo L.A. sigue siendo el que más impacto produce, tanto en las pistas de baile como en el escenario. Un ejemplo claro lo tenemos en las coreografías de Johnny Vázquez y su Imperio Azteca o en las de Tropical Gem, las cuales suelen cerrar los shows nocturnos de cualquier congreso internacional de salsa.

10 CONSEJOS PARA MEJORAR TU BAILE

2010-12-22T08:30:00.000-08:00

1. Tu eres tu peor crítico. Mírate a ti mismo en un espejo o en un vídeo y mira lo que te gusta y lo que no en tu baile y cámbialo.

2. Ya sea que estás empezando o ya llevas tiempo bailando, apúntate a clases o ve a talleres para aprender nuevos movimientos o para ayudar a mejorar tu técnica de baile.

3. ¿Quieres añadir un poco de sabor a tu estilo de baile? Analiza lo que te gusta de algún bailarin/a e intenta emularlo frente al espejo. ¿Necesitas más ayuda? Toma clases de estilo en alguna academia o clases privadas y ponte a ver vídeos.

4. ¿Llevas mal lo de bailar al tiempo de la música? Ve a algunos talleres de música o pide a tus amigos que te ayuden a “escuchar” la música.

5. Toma clases de algún estilo del que no sepas nada, como la afro-cubana, hip hop, jazz…

6. ¿Odias los pasos libres? Por lo general es debido a la pereza en aprender y memorizar. Tómatelo como un juego, aprende un libre cada mes y úsalo mientras estás bailando en la pista de baile.

7. Encuentra a alguien que le encante bailar tanto como a ti y conviértelo en compañero de práctica para aprender nuevos movimientos.

8. ¿No puedes encontrar compañeros?¿Quién necesita uno?. Aprende nuevos movimientos viendo vídeos y practicando una vez por semana frente al espejo.

9. ¿Te has aburrido de bailar social? ¿Por que no llevas tu baile a un nivel superior? Prueba a inscribirte en un grupo de baile o participar en concursos.

10. CHICOS: Nunca rechaces un baile si no es por una buena razón, y si prometiste que luego bailarías con ella, lo prometiste! CHICAS: No te anticipes o te auto-lleves, si cometeis algún fallo puedes reir, sonreir o disculparte del error si quieres. Puedes añadir un poco de sabor o de estilo chica dentro de cada movimiento siempre que este te lo permita, un poco de personalidad en el baile. No niegues un baile con alguien que venga a pedírtelo!

Deja tu comentario o tu aporte a esta causa ;)

QUIERES SER MEJOR BAILARIN DE SALSA?

2010-12-18T16:10:00.000-08:00

¿Has estado bailando salsa por un tiempo, pero quieres ser mejor? ¿Sientes que tus movimientos son predecibles? ¿Tu compañera lee tus movimientos antes de que los hagas? ¿No hay suficiente variedad en tu repertorio? ¿Una necesidad creativa invade tu cuerpo? ¿Sabes que ciertos movimientos son posibles, pero por alguna razón la ejecución te resulta difícil? ¿O es tu deseo más fundamental y sólo quieres ser mejor en esto de la salsa?

Vamos bien hasta ahora. Entonces, ¡hagámoslo! Encontremos ayuda. Ah, ¿ya lo has probado? Le has preguntado a algunos de tus amigos, pero no funcionó demasiado. Y ahora estás más confundido que nunca. Parece que necesitas ayuda. Bueno, ¿qué te parece una clase o dos? Encuentra un instructor, alguien que sepa las cosas que quieres aprender y consigue que esa persona te enseñe esas cosas. Encontrar un profesor no es muy dificil ¿Pero qué es lo que ofrecen, y más importante, qué deberías buscar en un instructor de baile?

Mi consejo es que consideres cuatro características importantes cuando buscas un instructor de baile. Estas son vitales. Primero y principal, un instructor debe tener habilidad para enseñar. El instructor debe poder llevar al estudiante a la meta propuesta. Esto significa que él debe ser capaz de describir, explicar e ilustrar. También, el instructor debe tener la habilidad de demostrar qué se supone que hagan los estudiantes, y transferir esa información correctamente a los estudiantes.

En segundo lugar, el instructor debe tener un buen conocimiento de los pasos, la técnica y el estilo. Esto significa que el instructor debe ser capaz de tomar esos dificultosos elementos del baile y reducirlos a simples pasos, relacionarlos con otros movimientos y/o demostrar la similaridad entre unos pasos y otros.

En tercer lugar, el instructor debe tener buen trato con la gente. Debe ser capaz de relacionarse con los estudiantes, disfrutar el trabajo con ellos y ser capaz de trabajar con diferentes personas que tengan diferentes capacidades a la hora de bailar.

Y cuarto, por supuesto, el instructor debe tener el deseo de enseñar. Él debe tener la actitud, el interés y la habilidad de traducir los pasos de salsa, el estilo y todos sus elementos en una forma, formato o contenido que el estudiante pueda comprender, junto con el deseo innato de hacerlo.

Adicionalmente, el o ella debe ser paciente y apoyar al estudiante. La paciencia es una habilidad que el instructor debe tener. Es frustrante para el profesor y el estudiante cuando hay problemas explicando o cuando el alumno no puede entender algo que se explica. La meticulosidad es de gran importancia para que el proceso de aprendizaje sea próspero. Busca al instructor que espera que lo hagas bien, que haga que te esfuerces. El instructor que ofrece críticas constructivas generalmente va a demandar más de su estudiante y como resultado, llevarlo a la excelencia. Después de todo, la razón para ir a clase es para aprender los “cómo y qué” del baile. También, el profesor debe estar bien informado sobre las actividades relacionadas con la Salsa que haya en la ciudad. Buscas una persona que esté involucrada con la Salsa.

Cerrando, recuerda que el ambiente de la clase debe llenar todas tus expectativas. La Salsa se enseña en diferentes maneras. Las clases pueden ser en grupo, privadas, de un sólo nivel de aprendizaje o de varios. Las metas en la enseñanza varían dependiendo del tipo de danza que estudies. Las metas de las clases básicas de muchos tipos de danzas pueden ser sólo para enseñar los pasos básicos y para asegurarse que todos se diviertan, mientras que las metas de una clase avanzada pueden ser enseñar un paso específico en cada sesión. Pregúntale al profesor acerca de los objetivos de la clase. Haz una prueba de la clase, fíjate si te gusta, pregúntale a los otros estudiantes qué cosas les gustan y cuáles no. Ellos estarán en tu misma posición así que no tienes nada que perder.

Por último, recuerdo haber leído que el ingrediente más importante en cualquier clase es el estudiante. Después de todo, el propósito de cualquier clase de baile es aprender, para que el estudiante sea capaz de bailar tan bien como el profesor,....o mejor que él.

"A veces resulta insuficiente la voluntad,
si de otro depende la realidad, por eso entiendo,
y explicaselo al corazon, que solo aprende,
el que arriesga su razon."

NOTA: O ME MIRAS O TE ESCUPO!!!

2010-12-12T16:49:00.001-08:00

Esto fue lo que le dijo mi amiga Laura a un chico que la sacó a bailar en una salsoteca. Claro que a mi amiga no se le conoce por su extrema delicadeza y feminidad, pero en su favor tengo que decir que no es mala persona y que baila muy bien para ser exacto...

A Laura le encanta bailar, no rechaza invitaciones y suele ser muy comprensiva. Si le clavan el codo en el cogote sonríe aunque le corra la lagrimita. Si la pisan, se frota el pie derecho con la pantorrilla izquierda y sigue bailando. Si le aprietan la mano mueve los dedos para que circule la sangre, y si a su compañero le abandona el desodorante o el enjuague bucal, aprovecha los giritos para tomar bocanadas de aire fresco.

Sólo hay una cosa que mi amiga querida no soporta: que no la miren al bailar. Cuando un hombre comienza a lanzarla de un lado a otro, mirando a todo el mundo, menos a ella, a Laura le cambia la cara. Entorna los ojos, (frunce el ceño, se le inflan los mofletes y se pone cara de enojada). Esto fue lo primero que probó con el protagonista de esta historia, creyendo, ingenuamente, que él se daría cuento de que algo andaba mal.

Cuando esta táctica no le funciona, porque el chico no la mira ni de reojo, Laura empieza a perseguirle la cara con la suya. Esta persecución facial no tiene otro objeto que recordarle a él que ella existe, y que eso que se agita al final de su mano es una mujer. Pero por el contrario, el chico sigue bailando con su sonrisa de oreja a oreja y continúo girándola como a una matraca.

Como último recurso, Laura probó a lanzar ráfagas de aire comprimido a su compañero en toda la oreja, pero de nada sirvió. Solo consiguió marearse, porque el sujeto estaba entretenido viendo quién lo miraba. Fue entonces cuando mi amiga se hartó y lanzó la desafortunada frase que dio pie a esta nota y por la cual el chico, que estaba de lo más inspirado, se paró en seco sin entender a qué se debía tanta agresividad.

Mientras me contaba lo pasó yo aconsejaba a Laurita diciéndole que tenía razón, pero que cuidara las maneras. Y que eso de andar amenazando a la fuerza de escupitazos no era propio de una chica. Pero ella, que es un melodrama con patas, me decía casi llorando que no podía disfrutar del baile si un chico la zarandea más que el un abanico, y que si no la miraba se sentía un objeto, una mujer maltratada. Incluso me llegó decir que deberían dictar orden de alejamiento a bailarines como esos, para proteger la integridad de las mujeres salseras.

El enfado le duró a Laura Fariña lo que tardo el Dj. en pinchar “La malanga” de Eddie Palmieri. Me dejó con la palabra en la boca y se lanzó a la pista arrastrando a un nuevo compañero de baile. Creo que esta vez tuvo suerte, porque les vi. intercambiar ‘pasitos’, sonrisas y miradas.

Dejá tu comentario si te paso los mismo ;)

BIOGRAFIA FANIA ALL STARS

2010-11-21T09:32:00.000-08:00

Los All-Stars fue la orquesta principal de Fania Records, compuesta de los principales lideres de banda, músicos, y vocalistas de ese sello. La historia de la banda representa la ascensión y difusión de la salsa como etiqueta comercial para la música latina. El comienzo de la banda fue un evento promocional con varios artistas bien conocidos, incluyendo a Tito Puente de Tico Records y Eddie Palmieri, Ricardo Ray, y Bobby Cruz de Alegre Records. Dos de las grabaciones de la Fania All Stars: “Live At The Red Garter”, volúmenes 1 y 2 fueron estrenadas, pero ninguna de las dos se vendieron muy bien. Típico del sonido clásico es Echale Salsita.
En el 1971 el segundo concierto de la Fania All Star fue grabada y filmada en vivo, resultando en los Volúmenes 1 y 2 de la “Fania All Stars Live at the Cheetah.” Esta grabación se convirtió en el álbum latino mas vendido por un grupo grabado en un solo concierto.
Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago, y Panamá, la Fania All Stars hicieron su primera representación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de Agosto, 1973, con sus lumbreras principales: Ray Barretto, Willie Colón, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín y otros que gozaban con Manu Dibango, Mongo Santamaría, y Jorge Santana (hermano menor de Carlos Santana). Antes del evento, fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron los Beatles en los primeros años del los sesenta y Woodstock en el 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium de Agosto 1973, y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico, constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).
En el 1974, la representación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa, Zaire también fue grabada por Gast y estrenada como la película “Live In Africa” - 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el titulo “Salsa Madness”, en el 1991). Esta representación Zaireña ocurrió en el festival de música que se llevo acabo en combinación con la pelea titular de peso alto entre Mohammed Ali y George Forman. La Fania All Star compartió la misma tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos que también tuvieron la oportunidad de interpretar sus canciones.
La Fania All Star volvió al Yankee Stadium en el 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados “Live At Yankee Stadium” (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de La Fania y Vaya Records cuales incluían a Celia Cruz, Hector Lavoe, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Pete “El Conde” Rodríguez, Bobby Cruz, y Santos Colon.
En la búsqueda de La Fania por un mercado más amplio para la Salsa, hicieron un negocio con Columbia Records para grabar una serie de álbums con la intención de cruzar géneros musicales Norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Roena, Nicky Marrero, y Papo Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia Records en los EE.UU. y Island Records en el Reino Unido. Para ese tiempo, Island Records en el Reino Unido estreno la colección musical de la Fania titulada Salsa!, y Live, también grabado por la Fania All Stars.En el 1976 la Fania All Stars realizaron su única representación en el Reino Unido con un memorable concierto, cual fue completamente vendido, en Lyceum Ballroom de Londres, con Steve Winwood como invitado especial.El ultimo álbum regular de la Fania All Stars, dos años antes del estreno de “Delicate & Jumpy”, fue el sólido Tribute to Tito Rodríguez, que introdujo a Rubén Blades a los All Stars. La serie de Columbia Records, que continuaba con poco éxito, estreno el LP Rythm Machine, integrado otra vez con la sección rítmica de la Fania All Stars, el pianista Bob James (productor ejecutivo) y el guitarrista invitado Eric Galé; y también Spanish Fever (1978), con los invitados Maynard Ferguson, Hubert Laws, David Sanborn, Galé, y otros más.El 1978 también vio el estreno de Live, un álbum “regular” de La Fania All Stars producida por Fania Records, con una versión completa de la orquesta grabada en concierto en el Madison Square Garden de Nueva York en Septiembre de ese mismo año. La ultima grabación de la serie con Columbia Records, “Crossover”, fue estrenada el siguiente año, tal como fue Havana Jam por Fania, que vino de un concierto histórico grabado en Marzo 3, 1979 en La Habana, Cuba, representado por los All Stars junto a Billy Joel, Rita Coolidge, Kris Kristofferson, Stephen Stills y Weather Report, y también incluyendo a las bandas Cubanas Irakere y Orquesta Aragón.Empezando en el 1980, La Fania empezó a disminuir en popularidad, lo cual fue atribuido a una película que fracaso comercialmente, quejas por parte de los músicos por falta de recompensas, y el fracaso de los tratos de distribución con Colombia y Atlantic Records de lanzar la salsa al mercado convencional Norteamericano como lo fue anticipado. Además, la escena salsera de Nueva York, al la cual Fania Records estaba inextricablemente unida, fue eclipsada por el Merengue Dominicano en la primera mitad de la década, y después por el impulso Boricua de la salsa romántica que se hizo de moda en los últimos años de los ‘80 y a los principios de los ‘90.Reflejando el deterioro de la compañía, los estrenos de la Fania All Stars disminuyeron casi por completo ya para los últimos anos de los 80. Sus LP’s entre el 1980 y 1989 incluyeron un intento al Jazz Latino, titulado California Jam, y el particularmente débil Guasasa; en el 1981 estrenaron su LP Social Change, con los músicos invitados Steel Pulse y Gato Barbieri, que resulto en otro fracasado intento de cruzar géneros musicales; Bamboleo en el 1988 el cual incluía la interpretación de cuatro éxitos de los Gypsy Kings “salsificadas”; y también los mas robustos Commitment, Latin Connection, Lo Que Pide La Gente y Viva La Charanga.
Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estreno en el 1986, “Live in Africa”, grabado en Zaire en el 1974, y “Live in Japan”, grabado en el Japon en el 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de tres ciudades (San Juan, Miami, y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.

Integrantes de las Estrellas de Fania

Héctor Lavoe (voz)
Cheo Feliciano (voz y maracas)
Ismael Miranda (voz y maracas)
Adalberto Santiago (voz)
Pete "El Conde" Rodríguez (voz, güiro)
Santos Colón (voz)
Bobby Cruz (voz)
Ismael Quintana (voz)
Celia Cruz (voz)
Ismael Rivera (voz)
Justo Betancourt (voz)
Rubén Blades (voz)
Hector Zarzuela (trompeta)
Roberto Rodríguez (trompeta)
Larry Spencer (trompeta)
Wilfrido Vargas (voz —canta el tema "El Barbarzo" en un medley con Héctor Lavoe en el disco Havana Jam—)
Barry Rodgers (trombón)
Reinaldo Jorge (trombón)
Willie Colón (voz y trombón)
Larry Harlow (piano)
Ricardo Ray (piano)
Papo Lucca (piano)
Eddie Palmieri (piano)
Ray Barreto (congas)
Mongo Santamaría (congas)
Eddy Montalvo (congas)
Willy Romero (congas)
Johnny "Dandy" Rodríguez Jr (congas)
Milton Cardona (congas)
Orestes Vilató (timbales)
Nicky Marrero (timbales)
Roberto Roena (bongós)
Bobby Valentín (bajo)
Salvador Cuevas (bajo)
Pupy Legarreta (violín)
Alfredo de la Fé (violín)
Yomo Toro (cuatro, tres y guitarra)
Johnny Pacheco (flauta y director musical)
Tito Puente (timbales, batería)
Joe Bataan
José 'Monguito' Santamaria (primera voz del grupo en 1964 y piano)
Louie Ramirez (vibráfono)
Jimmy Sabater
Luis Alberto "Toto" Rivero Ascanio de Venezuela (copista de bongo y timbal)

Descarga el album: Fania All Stars - Salsa - 1974

BIOGRAFIA MARC ANTHONY

2010-11-07T13:57:00.000-08:00

Marc Anthony nació en el año 1968, en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos.
Hijo de padres inmigrantes, Felipe Muñíz y Guillermina, de Puerto Rico, su verdadero nombre es Marco Antonio Muñiz, nombre con el que también se lo conoce en algunos discos Portorriqueños.
Cuando era pequeño, cantaba junto a su padre en las reuniones familiares. Con el paso del tiempo su interés en la música hispana disminuyó al mismo tiempo que comenzó a escribir canciones para artistas de la escena bailable como The Sapphires, Latin Rascals (con quiénes colaboró en los coros) y Menudo.
En el año 1991, un productor llamado Little Louis Vega le propuso un contrato como cantante. Marc lo aceptó gustoso y a partir de ese momento se inició un ascenso notable que lo ubica actualmente en lo más alto en las preferencias del público.
El percusionista latino Tito Puente propuso a Marc Anthony abrir su show en el Madison Square Garden, ante una enorme multitud.
La oferta no podía ser rechazada y así se realizó. Y rindió sus frutos, pues Marc se dió a conocer ante el público neoyorquino que lo ovacionó notablemente.
De todas formas, no fue hasta que escuchó el tema "Hasta que te conocí", cantado por Juan Gabriel, que su interés en la música latina se despertó.
La versión salsa de este tema, grabada por Marc en 1993, marcó sus futuros pasos al ser escuchada por la gente de la industria.
Ese mismo año editó "Otra Nota", álbum del que surgieron grandes hits como "Palabras del alma" y "El último beso".
Le tomó dos años concretar su siguiente álbum, el cual fue titulado apropiadamente con el nombre de "Todo a su tiempo".
Mientras se probaba para un rol protagónico en "The Capeman", obra de Paul Simon, a montarse en Broadway, producía su tercer disco.
La presentación de "Contra la corriente" en el Madison Square Garden, construyó un verdadero hito, pues ningún cantante de salsa se había presentado en ese escenario hasta entonces.
Con la llegada de "I need to know" y sus canciones en inglés, Marc consolidó su imagen de excelente cantante que sabe fusionar los ritmos latinos con el funk y el pop contemporáneo.
El resultado es un disco caliente lleno de convicción.
Hoy en día, Marc Antony es uno de los salseros mas importantes del mundo.
Ganó un premio Grammy al mejor cantante de ese género, y aseguró que nunca abandonará la salsa, género en el que se dio a conocer de rankings británicos con su trabajo y se perfila como una de las megaestrellas que pueblan el universo musical de nuestro tiempo.
En lo que respecta a su vida personal, mantuvo una relación con una policía neoyorquina, Debbie Rosado, con la que tuvo una hija, Arianna, a quien compuso la canción "My Baby You".
Posteriormente, en 1999, conoció a Jennifer López, con quien además de colaborar en un disco, mantuvo una relación que (en ese momento) no duró mucho tiempo.
Más tarde se casó con Daynara Torres, quien fue Miss Universo en el año 1993, y con ella tuvo 2 hijos: Ryan y Cristian.
Entre el nacimiento de ambos hijos hubo una crisis, en la que se separaron y luego se casaron nuevamente. En el 2004 terminaron definitivamente la relación.
Y volvió Jennifer: el 5 de junio de 2004 se casaron, confirmando así los rumores que los relacionaban de nuevo.
Así es que, tras comprobar que Marc Anthony ha estado siempre enamorado de J. Lo, se descubre que ella es la misteriosa Lola a la que dedica varios de sus discos y canciones.
En el 2006 terminaron de rodar juntos la película sobre la vida del salsero puertorriqueño Héctor Lavoe, "El Cantante".
En el año 2006, la pareja anunció que estaban embarazados. Finalmente en marzo del 2007, Jennifer López y Marc Anthony tuvieron gemelos, los cuales llamaron Max y Emme.

Descarga el albun de grandes exitos de Marc Anthony

BIOGRAFIA RUBEN BLADES

2010-10-27T10:36:00.000-07:00

Rubén Blades
Cantante, Músico, Actor, Abogado y Político panameño. Biografía
Nació en el seno de una familia donde el arte siempre ocupó un lugar privilegiado, el 16 de julio de 1948 en el barrio de San Felipe, Ciudad de Panamá, República de Panamá. Sus padres fueron Rubén Blades Bosques y Anoland Bellido de Luna.
En 1974, a los 26 años de edad se graduó de Abogado en la Facultad de Derecho y Ciencias Políticas de la Universidad Nacional de Panamá. Culminó sus estudios profesionales en la "Harvard Law Graduate School" el año 1985.
Desde los años 70 hasta la actualidad ha grabado más de 20 álbumes y ha participado invitado en mas de 15 producciones con varios artistas de distintos géneros y tendencias. Ha participado como actor en diversas producciones tanto de Hollywood como independientes. En reconocimiento de su labor ha recibido 6 premios Grammy.
En 1993 participó en las elecciones presidenciales de su país quedando en tercer lugar, obteniendo el 20% de los votos de entre más de una veintena de candidatos. Actualmente participa en el gobierno de su país como Presidente del Instituto Panameño de Turismo con el rango de ministro. Discografía
Sus inicios en la música se dieron en el afamado sello musical Fania de Nueva York. Sus dotes como cantante le abrieron las puertas, habiendo tenido una participación fugaz en la banda de Richie Ray y Bobby Cruz. Posteriormente en el año 1976 participo en la grabación del Long Play “De Panamá a Nueva York”, disco que sin embargo, Blades no incluye en su discografía.
Su real destape se dio cuando se juntó en fructífera combinación con el trombonista neoyorquino Willie Colón. El primer disco lanzado se convirtió en un clásico de la salsa: “Metiendo Mano” donde se ponía en letras menores: “Willie Colón introduces Rubén Blades”(Willie Colón presenta a Rubén Blades). De dicho álbum salieron los éxitos Pablo Pueblo y Según el Color. El disco fue recibido con muy buenas opiniones por la crítica, pero lo mejor estaba aún por venir.
Varios críticos de la música salsa no dudan en afirmar que existió un disco que marcó un antes y un después en el desarrollo de la salsa. Incluso el crítico musical peruano Luis Delgado Aparicio afirma que este disco es un hito en el desarrollo musical del siglo XX. El disco Siembra incluyó los temas clásicos Pedro Navaja, Plástico, Buscando Guayaba y Siembra. En este disco ya se veía consolidado lo que en un inicio se dejó entrever en “Metiendo Mano”: la habilidad de Rubén Blades de poner en sus letras una impronta personal que después sería llamada “Salsa Intelectual”. En tiempos donde la salsa empezaba su movimiento desde el barrio y la calle a los salones de baile; y las experiencias cantadas de los “guapos” se trocaban por motivos mas “sensuales”, Rubén Blades le cantaba al bandido, al matarife y a la calle. En “Plástico” se deja ver otro tema recurrente en la discografía de Rubén, la exhortación a que una América Latina despierte y un sueño de hispanoamericanismo que manaba directamente desde Bolivar. Actualmente “Siembra” es considerado todo un clásico de la música salsa y es uno de los discos mas vendidos del género.
Bohemio y Poeta no tuvo tanta pegada, pero si la tuvo su disco doble Maestra Vida donde narra la historia de una familia cualquiera en un país de América Latina que podría ser tanto México o Argentina como Bolivia o Guatemala. De ese disco doble destacaron las canciones Manuela, El Nacimiento de Ramiro, y Maestra Vida. Los retratos a lo que se entiende por “barrio”, las críticas a los gobiernos latinoamericanos en general y el canto al amor y a la mujer hacen de este disco doble un referente integral de los valores que tiene la salsa como música según opinión generalizada del público.
La unión con Willie Colón editó además los discos Canciones del Solar de los Aburridos y The Last Fight.
La etapa de Rubén Blades como solista tuvo los álbunes El que la hace la paga y Mucho Mejor, siendo este un disco mas bolerista que salsero.
Ya dentro de los años 80, Blades inicia otra etapa muy fructífera en su carrera artística al juntarse con el grupo “Son del Solar” que luego cambiaría su nombre a “Seis del Solar”. Esta unión produjo los álbumes Buscando América (donde destacan los clásicos Decisiones y El Padre Antonio), Escenas, Agua de Luna, Doble Filo, Nothing but the Truth, Antecedentes, Live! y Caminando. Esta etapa se cierra con el disco The Best.
Ya en los años 90 y luego de su experiencia política, Rubén hace un disco con Willie Colon (Tras la Tormenta) donde se intercalan temas tanto de uno como de otro. La anécdota señala que durante toda la grabación de este disco ni Colon ni Blades estuvieron juntos. Esta situación dio pie al rumor de un distanciamiento entre quienes formaron una de las combinaciones mas recordadas de la Salsa. Sin embargo este rumor fue desmentido por los propios músicos y como versión en contrario hay quienes afirman que la voz de Rubén Blades es la que hace los coros a la canción de Willie Colón, “Talento de Televisión”.
La última parte de la discografía de Rubén Blades refleja un cantante mas maduro y con la capacidad de experimentar en nuevas fusiones y nuevos géneros. El disco La Rosa de los Vientos es un solo de música panameña que Blades ofrece como homenaje a su país. Tiempos y Mundo si bien se alejaron de la salsa, y causaron la nostalgia en los seguidores de Blades, fueron discos premiados por su calidad interpretativa.
La reciente participación de Blades en el disco Across 110th street de la Spanish Harlem Orchestra donde toca su acompañante en Seis del Solar, Oscar Hernández, demuestra que Blades tiene un talento especial para la Salsa y deja en sus seguidores a la espera de su siguiente producción.
Actualmente Blades trabaja para el Gobierno Panameño y se espera que luego de ese compromiso vuelva a presentar alguna nueva producción.

Descarga el disco SIEMBRA LIVE 2010

BIOGRAFIA DE HECTOR LAVOE

2010-10-07T09:11:00.000-07:00

Héctor Juan Pérez Martínez, nacido en el Barrio Machuelo de Ponce, el 22 de septiembre de 1946, se trasladó a la ciudad de Nueva York a mediados de la década de los 60's en busca de fama y fortuna como cantante. Trabajó por algunos meses con la orquesta del percusionista Francisco "Kako" Bastar, logrando grabar como primera voz del coro en el año 1967. El disco saldría al mercado al año siguiente. Pero durante el mismo 67, se produce su unión con el trombonista y arreglista Willie Colón, que redundaría en su primer disco como cantante principal, "El malo". Héctor, con su estilo callejero y desafiante, resultaría el complemento perfecto para la música de Colón, estridente y atrevida para los puristas en la fusión de ritmos.

De 1967 a 1973 el binomio produce discos como "La gran fuga", "Cosa nostra", "Lo mato", "El juicio" y los volúmenes de "Asalto navideño". Los mismos son de vital importancia para la solidificación de la salsa como género. Canciones como "Juana Peña", "Barrunto", "Calle Luna, Calle Sol", y "La Murga", son sólo algunos de sus éxitos. Luego de casi una década juntos, Willie, incapaz de seguir el ritmo de vida de Héctor dado a la juerga y el exceso, decide que es mejor que siga cada cual por su lado. Esto coincide con, o tal vez propicia, la estrategia a seguir por el sello Fania, de lanzar a los cantantes de más éxito como solistas, apartados de las orquestas que le dieran fama. La separación es amistosa y no definitiva, pues Colón fue el productor de varios de los álbumes más exitosos de la carrera solista de Lavoe, que comienza en 1975 con el disco "La voz". Le siguen los elepés "De ti depende" y "Comedia" que producen éxitos como "Periódico de ayer", de la autoría de Tite Curet Alonso, y la canción que por siempre le definiría "El cantante", escrita por Rubén Blades. También fue uno de los intérpretes estelares de la Fania All Stars, dando la vuelta al mundo con ellos.

Durante los primeros años de la década de los 80's el género sufrió la pérdida de popularidad. Lavoe continuó grabando, pero su adicción a las drogas y las tragedias personales, minaron su autoestima y su claridad mental.
La muerte de su suegra y su hijo, la fractura de sus piernas al saltar por la ventana de su apartamento que se quemaba, abonaba al tormento que intentaba apaciguar a través de las drogas. Todo esto culmina en 1988.

Tras la suspensión de un concierto en Bayamón que marcaría el reinicio de su carrera en la Isla, Héctor se lanza del décimo piso de un hotel de El Condado. No logra suicidarse, quedando malherido e incapacitado de volver a cantar. Transcurre sus útlimos años en Nueva York, donde promotores se lucran presentándolo en conciertos cuando apenas podía hablar. A pesar de las ventas generadas por sus discos, Lavoe se vio en condición económica precaria. Murió en el Hospital Saint Claire el 29 de junio de 1993 de la ciudad de New York.

Hector Lavoe es considerado el mejor sonero, después de Ismael Rivera "El Sonero Mayor". Su carisma en tarima y su don de gente fuera de ella, le ganaron la idolatría de su fanaticada, que casi le veneran como un mártir de la rumba y la calle. "Hector le podía mentar la madre a todo el mundo y el público se reía, lo malcriaron", señalo Willie en una ocasión, famoso por llegar tarde a sus compromisos, Héctor solía decir.- "Yo no llego tarde, el público llega muy temprano", en su canción "El rey de la puntualidad". Willie Colón lo describe como.- "graduado de la Universidad del Refraneo con altos honores, miembro del Gran Círculo de los Soneros, poeta de la calle, maleante honorario, héroe y mártir... por eso lo bautizaron como "El Cantante de los Cantantes". Cheo Feliciano ha señalado.- "era el niño mimado de las estrellas de Fania". Tito Curet Alonso, el decano de los compositores de salsa, asevera enfático.- "Lavoe fue un cantante "sui generis" porque nunca imitó a nadie, fue único en su clase, de la categoría de Ismael Rivera y Benny More".

Descarga el cd EL JUICIO (1972) - HECTOR LAVOE Y WILLIE COLON

BIOGRAFIA DE JUAN LUIS GUERRA

2010-09-26T11:46:00.000-07:00

Bautizado como Juan Luis Guerra Seijas por sus padres, el ya fallecido basquetbolista Gilberto Guerra y Olga Seijas, nació en Santo Domingo el 7 de junio de 1957. Al concluir el bachillerato, cursa durante un año Filosofía y Literatura en la Universidad Autónoma de Santo Domingo, luego decide que la música es su vocación y se cambia al Conservatorio Nacional de Música donde terminó sus estudios. Al concluir sus estudios en el Conservatorio de Santo Domingo, Guerra obtiene un a beca para estudiar composición y arreglos en el Berklee College of Music en Boston, Estados Unidos. Después de volver a su país, trabaja haciendo acompañamientos con su guitarra a artistas locales como Sonia Silvestre y haciendo música para pautas publicitarias (jingles) destinadas la TV dominicana. Durante esta labor, entra en contacto con la cantante Maridalia Hernández, Mariela Mercado y Roger Zayas-Bazán quienes le acompañaban regularmente en las grabaciones. Así forma su grupo Grupo 440 y graba su primer álbum, Soplando (1984). Aunque este disco LP tuvo muy escasas ventas por no apelar a las masas, Warner Music lo relanzó en 1991 bajo el título "El Original 4.40". Hoy en día es considerado un artículo de colección. En 1985, tras una actuación, el empresario discográfico dominicano Bienvenido Rodríguez hace firmar a Juan Luis Guerra su primer contrato para su disquera Karen Records. Esta situación también representa un giro radical en su estilo musical, orientándose al merengue en su versión comercial. En esta nueva etapa graba los álbumes, Mudanza y Acarreo (1985) y Mientras mas lo Pienso... Tu (1987). También destacan las composiciones realizadas para los artistas mexicanos Emmanuel (No he podido verte, grabada en 1990) y Luis Miguel (Hasta que me olvides de 1993 y Te necesito de 2003). En 1989 durante la grabación de su álbum "Ojalá Que Llueva Café", los constantes cambios en los vocalistas de la agrupación lo llevan a convertirse en la principal figura de su grupo que ahora se conocería como Juan Luis Guerra y 440. Este álbum representa el inicio de la consagración internacional de Guerra, pues obtuvo ventas tales que se colocó en el primer puesto en muchos países de América Latina, siendo los temás más promocionados la canción que da título al disco, Visa para un sueño y la canción venezolana Woman del Callao. En 1990, en medio de muchas expectativas, Guerra presentó su siguiente álbum, Bachata Rosa (su primer álbum editado en CD). Su éxito le hizo llenar estadios y coliseos a capacidad en diferentes escenarios de latinoamérica y europa. Gracias a este disco, Juan Luis Guerra obtiene su primer premio Grammy, lo cual le vale ser uno de los presentadores de la emisión de ese año, junto a la cantante canadiense Celine Dion. "Burbujas de Amor", "Estrellitas y Duendes" y "La bilirrubina" entre otros, le dieron la vuelta al mundo. En 1991 en convenio con la disquera transnacional Polygram Records (luego llamada Universal Music) incursiona brevemente en el mercado brasileño con el álbum Romance Rosa que contiene 4 temas de su CD anterior versionados al idioma portugués y temas en español de su discos anteriores con Karen Records. Guerra llego a ser una figura controvertida en la República Dominicana después de sacar el siguiente álbum, Areito (1992). Con el tema "El costo de la vida" se manifiesta sobre las pobres condiciones de vida de muchos en América Latina, y algunos de sus compatriotas sintieron que él no era la persona mas apropiada para opinar, alegando que Guerra nunca padeció la pobreza. Pero esto no impidió que Guerra continuara su agitada rutina de conciertos. Guerra mencionó más tarde que para ese entonces solía tomar pastillas para dormir y tenía un vacio de paz que no lo llenaba nada ni nadie. Su siguiente álbum Fogaraté (1994), tuvo como punta de lanza el tema "La cosquillita" rescatando el merengue rápido folklórico conocido como Perico Ripiao al lado del acordeonista Francisco Ulloa y su conjunto. Este disco tuvo una respuesta comercial limitada, buena para la mayoría de los artistas pero no estuvo regida por el alto standard establecido por Guerra en sus 3 previos álbumes. Varios factores incidieron en esto, la tendencia innovadora de Guerra, nunca atado a recetas comerciales, la baja promocional de su disquera y el creciente deseo de Juan Luis de tomarse un largo descanso. Durante la corrida del album, Guerra sólo hizo 2 conciertos (Rep. Dominicana y Puerto Rico en 1995). Después de una tensa relación empresarial con Bienvenido Rodríguez, que estuvo cerca de los tribunales, Guerra se retira temporalmente de los escenarios y emprende una nueva faceta: funda una emisora de radio llamada Viva FM y un canal de televisión, Mango TV, mediante los cuales se proponía difundir los mejores talentos musicales de su país. Coincidiendo con la adhesión de Guerra a la religión protestante, el canal televisivo fue rentado en 2003 a una red protestante estadounidense dándosele un giro religioso a su programación. En el 1995 sale a la venta la compilación "Grandes Exitos de Juan Luis Guerra y 4.40" obteniendo gran respuesta en ventas. Después de 4 años de silencio discográfico y saliendo de lo que muchos pensaban era un retiro definitivo, Guerra presenta el disco "Ni es lo Mismo ni es Igual" (1998) con el cual obtuvo en el año 2000 tres premios en la primera emisión de Latin Grammy Awards (Premios Grammy Latinos). En los próximos años Guerra se limita a hacer lo que llama mini-giras. En el 2001, sale a la venta la compilación "Colección Romántica". En agosto de 2004, luego de 6 años de no producir un álbum de estudio, sale a la luz el más reciente acetato de Juan Luis Guerra, "Para Tí". Este disco, dedicado completamente a Dios, es la forma de Juan Luis agradecer todo lo que ha recibido de El trás su conversión al evangelio. Este disco cuyas ventas rondan el medio millón de copias, ha recibido varios premios billboard y obtuvo el Grammy Latino en las categorías "Mejor Album Cristiano" y "Mejor Canción Tropical" por el éxito "Las avispas". Tras la sálida del disco Guerra organizó su gira de conciertos más extensa desde el Tour Areito en 1993, a esta le llamó "Tour 20 Años" y celebró durante el 2004 y parte del 2005 los 20 años de creación del grupo en lo que fueron 23 exitosos conciertos. En 2007 regresa a los estudios para registrar su nueva placa bajo el nombre de "La llave de mi corazón", compuesto por canciones cristianas y otras no tanto, pero que conservan el espíritu "guerrero" de siempre. "Asondeguerra" es el nuevo disco del cantante y compositor dominicano Juan Luis Guerra y su clásica compañía 4.40, compuesto por 11 nuevas composiciones para la compañía EMI, variado con fusiones de muchos estilos musicales. Entre sus primeros cortes, se encuentra Bachata en Fukuoka, nacida de su viaje a Japón, o Mi bendición, dedicado a su esposa. También cuenta con una colaboración del colombiano Juanes y canciones de duras críticas sociales y referidas a la fe.

Descargate el ultimo material de Juan Luis Guerra, que incluye el exito "bachata en fukuoka"
JUAN LUIS GUERRA - AL SON DE GUERRA

BIOGRAFIA - LOS VAN VAN

2010-09-02T15:14:00.000-07:00

Los Van Van es una orquesta cubana de salsa y timba, fundada en el año 1969 por el bajista Juan Formell. El nombre de esta agrupación guarda estrecha relación con una exportación de azúcar que se llevaba a cabo desde Cuba… «De que van muchas toneladas, van».
Su fundador logra incorporar algunas influencias de otras músicas afro-caribeñas a los ritmos existentes en la época y creó lo que actualmente conocemos el Songo y la Timba Cubana.
Van Van es uno de los grupos musicales cubanos de más trayectoria en la música cubana, con más de 25 años de trabajo son -sin discusión- un símbolo de la música cubana bailable de los últimos tiempos en Cuba y el mundo.
Escuchando la música de esta agrupación podemos seguir buena parte de la evolución de la música cubana de los últimos 40 años. Esta orquesta no sólo se ha ido adaptando en cada momento a la sonoridad de momento sino que sus letras han ido reflejando el vivir cotidiano en la isla. Música «sabrosa» para todos los bailadores cubanos, será difícil ver un bailador cubano que no mueva los pies con su música.

Discografía

* 1969 Juan Formell y Los Van Van. Vol. I
* 1974 Juan Formell y Los Van Van. Vol. II
* 1974 Juan Formell y Los Van Van. Vol. III
* 1980 Juan Formell y Los Van Van
* 1982 El Baile del Buey Cansado
* 1983 Qué Pista
* 1984 Anda, Vén y Muévete
* 1985 La Habana Sí
* 1986 Eso Que Anda
* 1987 Al Son del Caribe
* 1988 El Negro No Tiene Nada
* 1989 Crónicas
* 1990 Aquí El Que Baila Gana
* 1992 Disco Azúcar
* 1994 Lo Último en Vivo
* 1995 Ay Dios, Ampárame
* 1997 Esto Te Pone la Cabeza Mala
* 1999 Llegó Van Van (ganador de un Grammy)
* 2005 Chapeando
* 2007 Empezó la fiesta (DVD con la historia de Los Van Van)
* 2009 Arrasando

Descarga el CD de Los Van Van - Arrasando

GRUPO AVENTURA - BIOGRAFIA

2010-08-22T12:29:00.000-07:00

Aventura es un grupo de bachata dominico-americano . El grupo se formó originalmente por primera vez en 1994 en el Bronx, Nueva York, sus miembro son Anthony Santos, Lenny Santos, Max Santos y Henry Santos. Siendo autodidactas tuvieron una gran determinación para entrar en la industria de la música, Aventura hizo su debut oficial en 1999, con la esperanza de romper esquemas en la bachata dominicana tradicional. Partieron de su base y la fusionaron con ritmos modernos como el hip hop y el R&B. En las primeras etapas el grupo se hacia llamar Los Tinellers (en alusión a teenagers en inglés), residían en el condado del Bronx, y efectuaron sus primeros trabajos musicales en la ciudad de Nueva York. El estilo musical de Aventura son primordialmente fusiones musicales con base en la bachata dominicana; como los miembros de esta agrupación fueron criados en los Estados Unidos, su estilo musical ha sido influenciado por los ritmos populares que se escuchan allí: hip hop, pop, R&B, y últimamente Reggaetón. Su primer disco, "Trampa de amor" fue lanzado en 1995 bajo el nombre Los Tinellers; el segundo disco Generation Next, se editó en 1999, éste fue el primer disco oficial y bajo el nombre Aventura. Tres años después regresaron con We broke the rules en 2002, disco que conteniene el tema Obsesión, el cual se convertiría en su gran éxito. La salida de Love & Hate en el 2003 lo estableció de manera definitiva no solo en el mercado latino, sino también en el estadounidense gracias a sus canciones en inglés y en spanglish, que inclusive los llevó a tener éxito en Europa, donde adquirieron gran popularidad. En el 2005 regresaron a escena con la producción God's Project, y un año después editaron su disco en vivo K.O.B. Live; luego sacaron un DVD y dos CD cuando cantaron a casa llena en el Madison Square Garden en 2007. Luego sacaron su alegado último disco The Last en 2009, después de 4 años sin sacar un disco grabado en estudio. En febrero de 2010 el líder del grupo Anthony Romeo Santos dió unas declaraciones en una rueda de prensa en la República Dominicana, donde afirmó que el grupo sí podría separarse, pero de manera temporal. Dijo que cada cual debe desarrollar su talento como solísta, y así cuando se vuelvan a reunir el grupo tendría más existo.

Descarga su ultimo trabajo
GRUPO AVENTURA - THE LAST

JIMMY BOSCH

2010-08-01T18:21:00.000-07:00

Jimmy Bosch, (quien estará en nuestra ciudad por el festival Tombonanza 2010 y actuando junto a Sonora D'irse), es hoy en día uno de los trombonistas latinos más solicitados. Es un músico espontáneo, de los que sienten que lo más importante no está escrito en el pentagrama sino en lo que se pueda dar en un momento dado. Ha tocado con las bandas más respetables de la actualidad: Eddie Palmieri, Conjunto Libre, Cachao, Rubén Blades y Ray Barreto entre otros. Ha grabado con casi todos ellos y ha dejado registrados algunos solos memorables. En 1998 la aventura fue más personal y edita su primer álbum: Soneando trombón.

Algunas personas dicen, al escuchar a Bosch, recordar el sonido de Barry Rogers, uno de los grandes en el trombón, sobre todo en su manera de enfrentar los solos.

Por lo que ha tocado y grabado hasta ahora, se podría decir que no le hace falta. Criado en Hoboken, New Jersey, comenzó a tocar trombón a los 11 años y ya a los 13 lo hacía profesionalmente. Sus influencias las reconoce en Barry Rogers, José Rodrigues, Mark Weinstein y Willie Colón. Y de los trombonistas actuales quien más le atrae para compartir tarima es Papo Vázquez, con quien lo ha hecho en el Conjunto Libre.

De las grabaciones, recuerda especialmente Cachao, Master Sessions Volume I, por la rica experiencia de «discutir, crear, compartir ideas, tocar moñas y largos solos, reír y pasar un buen rato en el estudio. Fue una experiencia increíble y está presente en ese CD».

Su primer álbum Soneando Trombon, editado por Rykodisk, no deja de ser interesante. Quien desee escuchar buenos solos de trombón, lo podrá hacer con este disco que, además, presenta una convocatoria interesante: Chocolate Armenteros en la trompeta, Alfredo Valdés Jr. en el piano, Joe Santiago en el bajo y Jimmy Delgado en los timbales, entre otros. La responsabilidad vocal recae en los veteranos del Conjunto Libre, Hermán Olivera y Frankie Vázquez, y en el propio Jimmy, que sonea en dos temas. Como invitados especiales aparecen Jimmy Sabater y Pete Conde Rodríguez, este último interpretando la pieza de Hugo González, La Soledad, popularizada en lo setenta por Ismael Rivera.

Descarga el albun Soneando Trombon

Taboo Salsa Disco

2010-06-16T12:32:00.000-07:00

Antes que nada quisiera reiterar mi enorme agradecimiento a todos los que hicieron
posible esta noche increible. A los aritstas bailarines y musicos, a los del sonido, a la dj,
a la gente del local y mis amigos aguanileros.
Tratare de resumir lo que se vivio esa noche pero es dificil hacerlo cuando los sentimientos al igual que los momentos vividos fueron tantos. A priori ya el hecho de realizar un evento donde actuarían dos bandas de salsa en vivo, generó una gran espectativa y debo reconocer que esto en principio se pudo lograr porque existe una gran espiritu de colaboración y amistad entre los dos grupos.
Esto a mi criterio debía ser enmarcado en un evento significativo, asi que debia ser
realizado en un lugar acorde y que tendría que tener el ingrediente que daría mas sabor
a una jornada asi, que son los bailarines. Por eso el domingo 13 de junio, en un lugar que a todos sorprendió para bien como fue Taboo Disco Pub, se realizó la noche de Taboo Salsa Club. Con la presentación de la orquesta Sonera Caribe de Santa fe, dirigida por Dario "yuyo" Cespedes. Y Mariano Avila & Orquesta de la ciudad de Rosario. Cada una de las orquestas se presentó en diferentes bloques pero hubo temas en que ambas agrupaciones tuvieron músicos invitados de la otra. Previo a cada bloque se realizaron números coreográficos de baile y para ellos se contó
con participación de bailarines de altisimo nivel. Ellos fueron: Mambo É de la ciudad de
Rosario y desde la ciudad de cordoba Adrian Pool Vega y Diego Heredia y la pareja de
baile Saúl Pereyra y Soledad Morán. Como no podia faltar en una noche así, y para disfrutar a pleno del baile social, la música estuvo a cargo de la dj Melisa "Dj Melón" Orellano de la ciudad de Rosario. Una noche como dije al principio, dificil de resumir en palabras pero que en lo personal
me dejó miles de momentos felices. Solo me queda decir, gracias a todos y que la salsa siga creciendo en Santa fe

Nota: Daniel Villarreal

Fiesta del globo!.... Salsa carioca??

2010-05-15T12:03:00.002-07:00

La movida crece. Se ve y se nota. y en la medida que crece en numeros de adeptos, crece tambien la necesidad de implementar nuevas propuestas, mejorar las ya fomentadas, y buscar mas recursos para poder otorgar al publico salsero eventos de mayor calidad que motiven a seguir asistiendo y participando.
La propuesta y la tematica presentada en la salsoteca que se realizó el 14 de mayo en los salones de grand prix tuvo mucho que ver con todo esto.
proponer, crecer y evolucionar.
Los organizadores del mismo; los profesores Pablo de los Santos, Virginia Fernandez y un grupo de gente que a su lado respalda, acompaña y participa en cada evento. realizó una noche de salsa que mas alla de contar con los ingredientes caracteriscos (clases abiertas, pista de baile y muy buena musica), tuvo el ingrediente especial de juegos y dinamicas, que motivó a todo el público presente a participar y divertirse, entreteniendose y bailando a ritmo del bloque latino.
Como nota personal, debo manifestar con gran placer como a través del tiempo pablo y virginia no solo han evolucionado como bailarines y profesores, sino tambien como productores y promotores de la salsa santafesina, siendo ellos juntos otros profesores de la ciudad, grandes referentes de nuestra movida.
A ellos y al grupo de gente que los acompaña, mis felicitaciones por el evento realizado

Nota y fotos: Daniel Villarreal

bonus: Video bloque latino

NEO SALSA CLUB II (LAS SEGUNDAS PARTES TAMBIEN SON BUENAS)

2010-05-03T10:59:00.000-07:00

El pasado domingo 25 de abril se realizó la segunda noche de salsa en el salón del casino neo mayorazgo de la ciudad de Paraná. Como era de suponer y por lo que consta tanto en las fotos como en el testimonio de los que asistieron (pido perdon por el faltazo), fué una noche a pleno ritmo salsero, con una gran convocatoria de público que se acerco a este hermoso predio a disfrutar de la música y el baile.
gracias y felicitaciones a los directores de la academia Sabroson de paraná por haber hecho posible este evento

Fotos: Academia Sabroson
proximo evento: Domingo 30 de mayo. Actuación de Mariano Avila

CON USTEDES.... MARIANO AVILA!

2010-03-14T16:30:00.000-07:00

Este rosarino de piel y aspecto caribeño con una intencional imagen estereotipada del sonero típico (look que le sienta a la perfección por cierto), y una simpática y autentica sonrisa, vino a nuestra ciudad a deleitarnos con su carisma e increíble voz.
Mariano Ávila, artista reconocido en el escenario de la salsa nacional, vino y dejó bien justificado el porque de tantos elogios y reconocimientos.
Este interprete de la salsa, se presentó el sábado 13 en la salsoteca organizada por Rumberalinda salsa club en el Morrison bar, y con un repertorio que constó de un bloque de salsa romántica y otro de salsa dura, cautivó al gran público presente esa noche, que agradecía y disfrutaba cada tema con ovaciones y aplausos.
Previamente al show central y agradeciendo la visita, actuó la pareja de baile Caribe club, oriundos también de la ciudad de rosario.
Todo ello, sumado al buen clima reinante en el lugar, y a la masiva concurrencia de salseros que colmaron la pista, hizo posible una gran noche de salsa que tuvo todos sus ingredientes.
De mi parte, agradezco a Carlos y Darío el haber hecho posible este evento y obviamente mis felicitaciones en nombre de todos a los artistas presentes y sobre todo a la excelente actuación de Mariano Ávila.

Nota y fotos: Daniel Villarreal

CASINO EN EL CASINO

2010-02-22T11:33:00.000-08:00

No se trata de un juego de palabras sino de una circunstancia literal. Un hecho que tiene que ver con el evento salsero que se realizó el 21 de febrero en el Casino Neo Mayorazgo de la ciudad de Paraná y que tiene que ver con que tanto la academia organizadora del mismo, como la mayoría de los salseros paranaenses (y muchos santafesinos), se vinculan más con la salsa estilo Casino (salsa cubana).
Más allá de la explicación vale mencionar que es agradable ver como se abren nuevos y mejores espacios salseros en la ciudad vecina y en este caso de muy buena jerarquía, como fue el caso de la noche de salsa en el casino. No solo por el lugar sino por el servicio, la música y la atención dispensada.
Como era presumible, asistió mucha gente y entre ellos algunos santafesinos que pudimos (y como pudimos), acercarnos al lugar (previa travesía alpinista: ver fotos), a disfrutar del baile. Pero obviamente valió la pena el esfuerzo.
Mis felicitaciones a Belén y Octavio, directores de la academia sabroson, por organizar este lindo evento.
Es el deseo general de que se vuelva a reiterar y espero que la salsa en Paraná y en Santa fe siga creciendo así.

Nota y fotos: Daniel Villarreal

DESPEDIDA DE AÑO EN SABOR BORICUA

2010-01-06T13:15:00.000-08:00

Amigos aqui les dejo las fotos de la fiesta salsera de fin de año de Sabor Boricua, que se llevó a cabo la noche del sabado 26 de diciembre de 2009, en guevara bar, Paraná. Una noche realmente caliente a puro sabor y ritmo caribeño
P/D: Queda pendiente la nota sobre esa noche a cargo de los directores y organizadores del evento ( los atorrantes estan de vacaciones jeje)

SONORA D'IRSE EN CONCIERTO

2009-11-22T15:10:00.000-08:00

El telón se abre y desde la lejanía se empieza a oír el sonar de la clave. Ya el corazón deja su monótono compás y se une al 3 más 2 de ese sonido peculiar que tiene identidad propia y sangre africana. De a poco se unen como los orishas convocados por Eleguá (deidad de la religión yoruba), las congas, el bongó. el timbal, el piano, el bajo y los vientos. Y una voz que invita y anuncia a sentir, a oír y a emocionarse porque ha dado comienzo la función. Un tributo al genero musical caribeño y a la música en si misma, que en víspera del día de su santa patrona. Fue honrada por maestros.
Los protagonistas de este prologo son los integrantes de la Sonora d’irse salsa band, que el sábado 21 de noviembre realizaron un concierto en el centro cultural provincial. Esta increíble agrupación musical brindó un espectáculo digno del elogio y el aplauso interminable como el que recibieron por parte del público presente esa noche. Un espectáculo en el que la virtud de sus integrantes superó cualquier adversidad técnica. Un espectáculo que demostró no solo la versatilidad musical de cada uno de sus miembros sino que cada uno realizaron verdaderas cátedras con sus instrumentos. Un concierto de trombones y trompetas, guajiras y guaguancó, de mambo y jazz latino, de timbales y de cueros. Un concierto que dio tributo a la música caribeña pero que en definitiva somos, los amantes de este género particular quienes debemos rendir tributos a este excepcional grupo musical. A ustedes maestros: Rubén Carughi (trombón & dirección),Marcelo Huser (trombón), Ariel Theuler (trompeta),Horacio Salazar (trompeta), José Piccioni (congas), Maxi Maglianese (bongo), José Luís Viggiano (timbales), Danilo Cernotto (piano), Pancho Torres (bajo), Ángel Ruiz Díaz (coros), Alejandro Valls (cantante & voz líder).

Mis felicitaciones y muchas gracias por esta increíble función
Nota, fotos y video: Daniel Villarreal

SONERA CARIBE EN MARCOS AURELIO

2009-11-09T17:52:00.000-08:00

Si algo que disfruté desde siempre y mucho, fue de la música en vivo, y lo digo porque antes de desempeñarme como bailarín me vinculé muchos años como integrante de coros y grupos vocales y desde que tengo memoria la música generó en mí los más profundos sentimientos y sensaciones. Pero como decía antes, la música en vivo, sentir a pleno los matices de cada instrumento no tiene comparación.
Todo esto lo menciono porque no es común ni poco frecuente poder disfrutar de un show en vivo de un grupo u orquesta de salsa. Pero cuando ocurre, hay una fuerza que emana y que brota desde el escenario en los primeros compases y en el sonar de la clave y llega a cada músculo del oyente, y mas sobre todo del bailarín y en esto uno mis dos pasiones y digo que realmente uno se siente hechizado y el cuerpo ya no responde sino a la voluntad del sonido presente.
Esta hermosa experiencia de poder disfrutar tanto de la música en vivo como del baile, lo pude realizar el sábado 7 de noviembre en el pub Marcos Aurelio. Allí, se realizó como es de costumbre la noche de salsa y baile social organizado por Rumberalinda pero que tuvo el atractivo principal de la actuación y segunda presentación desde su creación del grupo Sonera Caribe dirigida por Dario “yuyo” Cespedes.
Esta banda santafecina comenzó trabajar a principios de 2009 y centra su repertorio principalmente en sones cubanos, tomados en algunos casos de su grabación original, para transformarlos en versiones más salseras. Dicho repertorio es arreglado y desarrollado por sus propios integrantes y se destaca por los trabajos de voces y coros, como así también por su solidez rítmica - armónica. Integran Sonera Caribe:
Darío “Yuyo” Céspedes: Voz, Accesorios.
Juan Facundo Magio: Voz, Accesorios.
Guillermo Lerman: Voz.
Maximiliano Frutos: Voz.
Alejandro Perazzo: Bajo.
Facundo Céspedes: Piano, Coros.
Oscar Jara: Tumbadoras.
Leonardo Rodriguez: Timbales.
Camilo Céspedes: Flauta Traversa, Coros.

A ellos mis felicitaciones y el agradecimiento no solo por la destacada actuación esa noche sino también por el aporte que le hacen a nuestra querida movida salsera santafecina.

Nota y fotos: Daniel Villarreal

2009-10-03T14:31:00.000-07:00

“Ritmo naranjero, ritmo callejero
este es el ritmo naranjero que se baila con sombrero
y después y después hay que descalzar los pies
esto se baila en cadena y si se puede en la arena
y después y después… para que importa el después.”

Ese es el lema que acompañó desde siempre a este fantástico grupo de músicos y artistas del escenario santafesino. Ese es el espíritu naranjero que perdura desde hace 25 años. Una trayectoria musical donde, si bien han variado los integrantes del grupo, la calidad y el estilo propio se han mantenido firme a pesar del tiempo.
La Naranja de Santa fe, liderada por Luís “pollo” Sáez es una agrupación de Rock y Pop Latino que actualmente brinda en sus espectáculos dos cualidades dignas de este genero, que son la calidad y la trayectoria de sus músicos.
Esto quedo reflejado el viernes 2 de octubre, en el concierto que realizaron en Dublín Púb.
Con varios artistas invitados (en su mayoría ex integrantes de la banda), La Naranja realizó un repertorio en el que interpretaron temas de su ultimo CD “A donde Vamos?” y temas que ya son un clásico de este grupo.
Este espectáculo fue realizado de alguna forma, en conmemoración por el 25 aniversario de la agrupación.
La misma en la actualidad esta integrada por: Luís “pollo” Sáez (voz y líder), Ely Pistoni (Coro y voz), Walter Chávez (guitarra), Alejandro Valls (Congas y timbales), Eduardo Goyri (batería), Javier Visuara (teclado) y Cristhian Gadioud (bajos).

Los artistas invitados que participaron del evento fueron: Maria Alejandra Pistoni, Ana Suñé, Federico Teiler, Carlos Fernández, Carlos Yoana y Ricardo Juárez.

Fieles a su estilo, fieles a su gente. Felicidades LA NARANJA por sus 25 años. Es el saludo de los amigos salseros.

Nota y fotos: Daniel Villarreal

TALLER DE CARLOS ARAGON Y LIZ PAREDES

2009-09-14T15:45:00.000-07:00

El sábado en Paraná no se caminó, se bailó

El sábado pasado visitaron la ciudad vecina, Liz Paredes y Carlos Aragón. Durante la tarde llevaron adelante una jornada llena de música, baile y emociones, junto a alumnos y profesores de distintos lugares, quienes disfrutaron del taller al ritmo del mambo en dos.
Liz y Carlos son una de las parejas de salsa más importantes de nuestro país y se consagraron porque tienen un estilo propio que los diferencia en todas partes del mundo. Hace ya 15 años que fundaron la primera escuela de mambo en dos de la Argentina, desarrollando las clases con una metodología propia y efectiva. Esta pareja también tuvo la suerte de haber bailado para los músicos más importantes como Tito Puente, Celia Cruz, Oscar de León, José Alberto “El Canario”, entre otros grandes talentos. Tratando de resumir su importante trayectoria, estos bailarines, además de la salsa, tienen formación en distintas danzas como jazz, folklore latinoamericano, tango, flamenco, afro-contemporáneo, etc.
El taller dictado por estos geniales bailarines recorrió el estilo de hombre y mujer, la disociación de movimientos, una introducción al afro-rumba y algunas figuras en pareja on one. Pero lo más importante fue que, a lo largo de la jornada, estos jóvenes entusiastas compartieron con los asistentes, algunas palabras de afecto que demostraron una gran madurez y calidad, no solo profesional sino también humana.
La jornada duró hasta entrada la noche, donde Liz y Carlos cerraron el taller con un hermoso baile que, a pedido de los presentes y a pesar del cansancio, hicieron para deleitar a todos.
Seguramente quedan muchas cosas por contar todavía, que en la próxima emisión de “Caribbean Salsa Show” trataré de sintetizar. Además podrán escuchar, la entrevista exclusiva para nuestro programa.
Para finalizar, cabe destacar a los organizadores del taller, principalmente a Mario Gómez y agradecerles por haber contactado y traído a estos grandes bailarines de nuestro país.
Si no pudiste asistir al taller, quedate tranquil@ ya que la puerta quedó abierta y tanto Liz como Carlos están pensando en conocer Santa Fe. Solo queda esperar que estos grandes visiten nuestra ciudad!!

María Gabriela Hernández- conductora de Caribbean Salsa Show.

Show de Arte pasion en el Grand Prix

2009-09-07T14:25:00.000-07:00

El viernes 4 de septiembre en los salones de Grand Prix, se realizó la tercera noche de Salsa en esa locación. Y Como nos vienen acostumbrando los organizadores (Guido Monteverde, Carlos Maletti y Oscar Peralta), el lugar se vistió de gala para recibir a la gran concurrencia salsera que suele frecuentar este evento.

Bien vale mencionar que en cada edición, se ve el cuidado en mejorar y agregar más detalles al servicio y a la disposición del lugar, lo que resulta grato de ver y disfrutar.
El evento contó aparte de lo mencionado con la visita especial del ballet Arte Pasión de la ciudad de Córdoba. Quienes brindaron un espectáculo de siete números artísticos de baile de alta calidad.
Esta agrupación dirigida por el profesor Víctor Pedroso es también integrada por: David Álvarez, Soledad Morán, Natalia Ahydu, Cecilia Zuriaga, Ximena Castro y Jesica Gordillo
También tuvo lugar la actuación de la profesora Cynthia Nievas quien realizo una coreo de free dance – salsa con su alumna Luciana Vigna.
El profesor Pablo de los Santos estuvo a cargo de la animación, sorteos y clases abiertas. Y la musicalizacion e iluminación por el Dj Oscar Peralta.

Fotos y Nota: Daniel Villarreal

NOTA: O ME MIRAS O TE ESCUPO!!!

2009-08-29T15:06:00.000-07:00

Dejá tu comentario si te paso los mismo ;)

NOCHE SALSAFESINA - VIERNES 14 DE AGOSTO

2009-08-16T10:03:00.000-07:00

El viernes 14 de agosto se vivió algo poco común en nuestra comunidad salsera. Y fue el hecho de poder contar con dos salsotecas en distintas locaciones. Si bien la situación fué extraña y fortuita. Lo que se pudo comprobar es que la corriente salsera en santa fe sigue en crecimiento.
Por un lado en los salones de Grand Prix tuvo lugar la noche de salsa organizado por Guido Monteverde, y como en la anterior edición, no solamente la organización se esmeró por completo, sino que la gente volvio a acudir masivamente. Como ingrediente especial de la noche, contó con la actuación del grupo de baile Santa fe Latín Show, y la animación del profesor Pablo de los Santos.
Por otro lado en Marcos Aurelio, La gente de Rumberalinda a cargo del Profesor Carlos Sosa organizó otra noche de salsa. En esta oportunidad, tuvo lugar la actuación de un número artistico de Tango, como de la presentación y debút de la agrupación musical Sonera Caribe , dirigida por Dario "yuyo" Cespedes.
Una noche bien Salsafesina para todos los gustos y que todos pudieron disfrutar.

Proximos eventos:
Rumberalinda en Marcos Aurelio: Viernes 28 de Agosto
Salsa en Grand Prix: Viernes 4 de Setiembre

Fotos Viernes 14 de Agosto

NOCHE DE SALSA EN GRAND PRIX

2009-07-27T15:59:00.000-07:00

Bien se sabe que el deseo de los salseros en esta región es que la salsa se convierta en una expresión cultural fuerte, y crezca en cantidad sus adeptos y seguidores. Como consecuencia es lógico pensar que logrando esto, no faltaran las propuestas, eventos y espacios disponibles para desarrollar cualquier actividad relacionada con la salsa.
Honestamente sabemos que aun nos falta trabajar y crecer para lograr esto sin embargo, es grato ver señales muy clara de que la movida esta creciendo y sigue en ese rumbo.
El viernes 24 de julio tuvimos el agrado de disfrutar de la apertura de otro espacio de eventos salseros. La cita se dio en los salones de grand prix, donde tubo lugar una noche de salsa, organizado por Guido Monteverde, Oscar Peralta (Dj Oscar), y Carlos Maletti.
Con una excelente organización y disposición del lugar, se vivió una velada donde no falto nada. Show de baile, clases abiertas y una estupenda sonorización que invitaba a no abandonar en ningún momento la hermosa pista de baile dispuesta en el lugar. Tampoco hay que dejar de mencionar la muy buena atención del servicio de bar que se dispuso para la gran cantidad de asistentes de esa noche.
En definitiva, una organización que no dejo nada librado al azar y cuido todos los detalles.
A ellos y en nombre de Movida salsera, gracias y felicitaciones por lo realizado.
Esperemos muy pronto otra noche de salsa en el grand prix.

Fotos: Noche de salsa en grand prix 24-07-09

Nota del recuerdo: CUBAFE

2009-07-04T12:28:00.000-07:00

Para aquellos que bailamos salsa (o lo intentamos), no tener un lugar donde hacerlo es algo decepcionante. Y hasta hace unos años (no mas de 5), si algún santafecino quería ir a una salsera, tenia que viajar los casi 200 Km. que nos separan de Rosario para poder bailar un poco de salsa. Era de imaginarse que por varias cuestiones no era algo que se pudiera hacer todos los fines de semana. Y créanme que no importa a cuantas clases por semana uno asista, si no se tiene ese lugar especial donde divertirse y sentir lo que uno hace, es como que le falta la parte mas importante. Aquella donde uno expresa su forma de ser en la pista de baile, rodeado de amigos y de un ambiente muy especial.
Pero para alegría de todos, un hermano cubano pudo cumplir su sueño de tener en Santa fe, un lugar que le haga recordar y vivir las cosas lindas que tenía en su Cuba natal, como los platos típicos cubanos, mucho ron, y por supuesto la música y la pista de baile. Y de esta forma tambien cumplió el sueño de los salseros santafecinos. (1)
Fue por el 2004 que El “negro” Rubén Rodríguez abrió su Cubafe.
Ubicado frente a la plaza Constituyente en 4 de enero 3236. Cubafe, fue un lugar muy particular y especial. Con show musical en vivo, donde actuaron reconocidos músicos locales o de trayectoria nacional e internacional, o de figuras extranjeras como fue el caso de la actuación del celebre Septeto Matamoros de Cuba.
Un lugar donde fue punto de encuentro social y cultural de los amantes de la música caribeñas y que quienes los pudimos disfrutar, hoy añoramos con recuerdo, aquellos lindo momentos.
Gracias a ese cubano, que con micrófono en mano animando y bailando tanto desde atrás de la barra como en la pista. Y que dio no solo su capital económico sino también su corazón. Los santafecino tuvimos nuestra primera salsera
Hoy queremos recordar con mucho cariño y de esa forma también agradecer al negro Rubén por darnos su querido Cubafe.
Aquí el homenaje de la gente de Salsafe para este querido personaje de la salsa y su entrañable lugar.
Fotos: Archivo de América salsa
(1) Extracto y adaptación de nota publicada en el año 2004 por Gustavo Haimovich

Fotos archivo de Americasalsa.com

Rumberalinda viernes 26 de junio

2009-06-28T11:53:00.000-07:00

Amigos, como ya saben las noches de rumberalinda salsa nigth club en Morrison bar se han convertido en un clásico de nuestra movida salsera. El viernes 26 de junio, Carlitos y Yuyo sonorizaron y ambientaron la noche para que todo el público salsero que asistió no parara de bailar y de disfrutar de este encuentro social de la salsa santafecina. Aquí el registro fotográfico de esa noche.

Proximo evento: Viernes 10 de julio - Actuacion en vivo de Sonora D'irse

FIESTA DE SALSEANDO CON PERICO

2009-06-09T12:52:00.000-07:00

Salseando, el único programa salsero de Santa Fe, festejó su primer año en antena, en Radio Latina 99.7-. Y como era de esperar lo hizo organizando una fiesta de salsa, que se realizo el viernes 5 de junio en Morrison bar, 25de mayo 3428. También en esa oportunidad tuvo lugar, la presentación y debut de Punto y Aparte. Un grupo de salsa y música tropical, formado recientemente, por músicos de reconocida trayectoria en distintos estilos y agrupaciones. Este grupo integrado por Roque Gauna, Zeta Zerbini y Perico Fissore, fue acompañado rítmicamente por Pupi Simino y Tilo González. Y presentaron esa misma noche, el primer trabajo discográfico ya realizado, en el cual se puede apreciar con claridad, la experiencia musical que atesoran. Como no podía faltar en esta gala salsera, y previo al recital de Punto y Aparte. Se presentaron números artísticos de baile. En esta oportunidad participaron del mismo, el grupo Conexión Latina, el dúo Pablo de los Santos y Virginia Fernández; y Aguanile Caribbean Dancers integrado por Daniel Villarreal y Cynthia Nievas. Luego de los show se dio lugar al baile social y el encargado de sonorizar la noche fue el d.C. Carlos Sosa.

Fotos y Video: Fiesta de salseando - recital de Punto y Aparte

Sonora D'irse en el Consejo Deliberante

2009-06-02T11:32:00.000-07:00

Con motivo de llevarse a cabo el ciclo de espectáculos organizado y realizado por el Honorable Consejo Municipal de Santa fe. El Domingos 31 de mayo, en el recinto de la cámara de Concejales, se realizó la presentación artística de la Sonora D’irse Salsa Band.
El espectáculo fue de carácter libre y gratuito y contó con una gran presencia de público como también la presencia de los ediles santafesinos.
Cabe destacar que este ciclo de presentaciones artística responde a la idea de brindar por parte del poder legislativo municipal un espacio de integración e interacción de los representantes con el resto de la ciudadanía.

video: Sonora D'irse en el Consejo Municipal

RUMBERALINDA 29 DE MAYO

2009-05-30T13:18:00.000-07:00

Unas de las metas que nos planteamos lo que estamos de alguna forma en la difusión y organización de las actividades salseras en santa fe. Es que la movida salsera se vuelva una expresión cultural fuerte en nuestra ciudad y que la gente se vuelque masivamente a participar de cada uno de los eventos que se organicen.
En mi parecer, esto no esta muy distante de cumplirse, ya que en estos últimos tiempos hemos apreciado como poco a poco la gente responde a esta bien llamada “fiebre salsera” y participa en buen numero de los eventos que se han venido realizando.
Tal fue el caso de la salsera realizada el viernes 29 de mayo en Morrison bar, organizada por los chicos de Rumberalinda.
Que a pesar del intenso frió y la lluvia, la gente acudió en un muy buen número, y prácticamente colmó la capacidad del lugar.
En esta oportunidad, la noche de salsa en Morrrison contó con el atractivo principal de la actuación de la orquesta Echa pa’ lante de Paraná.
Esta banda liderada por Sergio Abdala, desplegó un repertorio variado de temas y realizó interpretaciones magistrales de éxitos de Eddie Palmieri, Pocho Sánchez, Rubén Blades y otros.
Previo a esto y posterior a la actuación de la orquesta, como es de costumbre en Rumberalinda, la salsa se vivió a pleno y ya desde temprano y hasta el final la pista estuvo plena y los bailadores disfrutaron de una noche a puro sabor caribeño. Para que la salsa siga creciendo en Santa fe y no se detenga.

Fotos: Rumberalinda 29-05-09
Próximo evento: Sábado 13 de junio en Morrison bar

ECHA PA' LANTE SALSA BAND

2009-05-23T12:46:00.000-07:00

Echa Pa' Lante es una agrupación de salsa y música latina formada hace algunos años en la ciudad de Paraná, Entre Ríos, que convoca al público gustoso de este género y, por supuesto, a los bailarines. Su repertorio recorre el mapa musical latinoamericano de la mano del son, la guajira, el cha cha cha, y el wawancó de autores como Rubén Blades, Poncho Sánchez, Eddie Palmieri, Celia Cruz y la Buena Vista Social Club. Con exitosas presentaciones en varias ciudades, incluyendo Paraná, Santa Fe y Buenos Aires, Echa Pa' Lante se consolida como uno de los pocos grupos de salsa del país.
Sergio Abdala - Voz
Alejandro Basiliquiotis - Guitarra
Francisco Anadón - Bajo
Julián Ramos - Piano
Martín Bustos - Trombón
Emmanuel Famin - Saxo, Flauta
Sebastián Greschuk - Trompeta
Andrés Maín - Congas
José Luis Viggiano - Timbales

SONORA D'IRSE EN CASA ESPAÑA 23-05

2009-05-16T13:02:00.000-07:00

El sábado 23 se realizó una nueva presentación y la primera de este año, de la orquesta Sonora D’irse salsa band en la sala mayor de ATE Casa España.
Con un repertorio donde se incorporaron nuevas interpretaciones y otras que ya son un clásico en esta formación musical, la orquesta brindo un muy buen espectáculo como lo sabe hacer, para el deleite de la gran concurrencia que acudió en esta nueva cita.
De más está decir que el clima era realmente grato y que los bailadores no abandonaron en ningún momento la pista al ritmo del son, el mambo, la guajira y la timba cubana.

TIERRA SOBERANA

2009-04-24T13:01:00.000-07:00

¿DE DONDE SON LOS CANTANTES?

¿Serán de La Habana? ¿Serán de Santiago?

TIERRA SOBERANA: "Son" de Santa Fe... ¡parecen cubanos!
Bueno... así dicen algunos de nuestros fans... Somos Darío "Yuyo" Céspedes, Maxi Maglianese y Enzo Valls, es decir TIERRA SOBERANA. El nombre del grupo nos fue sugerido por el “Son de la loma”, la célebre composición de Miguel Matamoros que es casi una bandera o un himno nacional de la música cubana. Un nombre que pretende evocar e invocar la soberanía de todas las tierras, geográficas y culturales, físicas o metafóricas, reales o utópicas, que el hombre de hoy intenta transitar. La canción popular (de ayer y de hoy) de nuestro continente es una de las más importantes. Como nos escribió un amigo italiano (en un momento de desaliento ante la realidad política de su país y del mundo): “Felices de ustedes que viven en la única “tierra soberana” que, hoy por hoy, parece posible: la tierra de la música, la poesía y la creatividad”. Pero nuestro compromiso no es solamente con el canto. Nos unen a Cuba muchos otros amores… Porque como escribiera José Martí: "Cuba es un pueblo que ama y cree, y goza en amar y en creer" Un pueblo que ama, cree...
¡y crea

Los integrantes de Tierra Soberana son:

Enzo Valls - voz y guitarra

Dario "yuyo" Cespedes - bajo y segunda voz

Maxi Maglianese - percusion y coro

CONTACTOS:
Tel. 460-5091 E-mail: enzovalls@gmail.com

LAS SALSERAS

2009-04-24T11:28:00.000-07:00

Si hablamos de la Salseras o salsotecas, estamos hablando de los lugares públicos donde se baila salsa y/o ritmo latinos. Pero para el salsero es más que eso, es un espacio de encuentro social donde se vive un clima muy particular, un espacio donde no hay diferencias sociales, ni de credos, ni culturales y donde todo se define en disfrutar de la música, de la alegría sana del baile y de los amigos. Un espacio donde el alumno pone en práctica lo que aprende en su academia o más allá de la técnica que uno tenga para desempeñarse en el baile. Lo importante es bailar.
Por eso, el que goza, ama y vive la salsa; valora mucho el poder disfrutar de estos espacios. De estos “templos de la Salsa”.Pero lo que muchos no saben es el esfuerzo humano y económico que se necesita para poder organizar y realizar una salsera. Sobre todo en nuestra región donde más allá del inminente crecimiento en número y calidad, la movida salsera santafesina aun necesita demostrar muchas cosas para que la salsa sea una expresión cultural fuerte en nuestra región como para seducir al capital empresarial.Este esfuerzo en cambio, es realizado por profesores o gente vinculada a la salsa, que constantemente están trabajando para obtener y mejorar los espacios salseros que hoy podemos disfrutar. Por eso, sin duda alguna y en este sentido no hay que dejar de reconocer el aporte que han hecho y hacen a la salsa de nuestra ciudad. Como en su momento el Cubano Rubén con su querido Cuba Fe y actualmente a los profesores Gustavo de Rumbacabana y Carlos de Rumberalinda, como también a los chicos de la Academia Sabroson y Azúcar de Paraná, y a tanto otros.A todos ellos y en nombre de los salseros, muchísimas gracias por tantas noches de rumba, salsa y sabor.